„Ich stell mir alle paar Jahre die Sinnes-Frage. Bin ich hier richtig?
Mach ich das richtig? Fühlt sich das gerade gut an?“

Oktay Can
(Business Development Manager Paylogic | See Tickets)

“Wie verlaufen Karrieren?” Das ist für mich eine der spannendsten Fragen. Im Prinzip kann man sie auch mit der Frage “Wie verlaufen Leben?” ersetzen. Gerade, wenn man in der Musikindustrie arbeitet, wo der Beruf und das Leben oft verwoben sind. Musik bedeutet für die meisten von uns Leidenschaft - und für die opfert man manchmal auch mehr als 40 Stunden pro Woche. Wo hört Hobby auf? Wo beginnt Beruf? Die Grenzen sind fließend. Im letzten Newsletter hab ich mir die Fragen gestellt, die Oktay oben aufwirft und das ganze ist dann im “Warum podcaste ich seit 9 Jahren?”-Monolog ausgeartet. Jedes Leben ist einzigartig und spannend und deshalb liebe ich es sehr, dass ich Gäste immer wieder ausfragen darf - in dieser Folge sogar vor Publikum auf der Event-Messe “Future of Festivals”. Zu Gast: Evelyn Sieber (Head of Sales & Partnerships beim Reeperbahn Festival) und Oktay Can (Business Development Manager bei Paylogic | See Tickets). Spoiler: Beide Karrieren sind nicht gradlinig auf den Eventbereich zugesteuert. Ein Rezept: So landest du in der Musikindustrie gibt es eh nicht. Aber jede Biografie ist eine Inspiration:

5 Dinge, die wir aus dieser Folge lernen können

1. Sinnesfrage statt Karriereplan

Oktay bringt es auf den Punkt: Alle paar Jahre die Sinnesfrage stellen, ist entscheidend. Nicht im Sinne von panischer Neuorientierung, sondern als ehrliches Nachprüfen: Fühle ich mich noch wohl, habe ich noch Lust, wächst mein Verantwortungsbereich? Die Folge ist voll von Beispielen, wie radikale Entscheidungen funktionieren können. Oktay erzählt, wie er aus der Gastronomie ins Ticketing gewechselt ist, weil er rausgefunden hat, dass Sales und Menschenkontakt seine Stärke sind.

Das ist ein gutes Mantra für jeden, der unzufrieden oder unsicher ist. Die Antwort muss nicht sofort ein Jobwechsel sein. Manchmal heißt die nächste Handlung: ein Nebenprojekt starten, ein Praktikum machen oder für ein halbes Jahr ins Ausland gehen. Wichtig ist diese Haltung: prüfen, experimentieren, entscheiden.

2. Ticketing und die Macht der Daten

Oktay erklärt sehr praktisch, warum White-Label-Ticketing für Veranstaltende interessant ist: Auszahlungsschnittstellen, Ownership über Kundendaten und Integrationen in CRM- und Marketing-Tools. Daten sammeln allein ist nutzlos, wenn du sie nicht verstehst und nicht nutzt. Paylogic positioniert sich als Schnittstelle, die Daten zugänglich macht und Veranstaltenden Kontrolle zurückgibt.

Für Festivals heißt das: Wer seine Zielgruppe kennt, kann Angebote schaffen, die tatsächlich verkauft werden. Evelyn erzählt, wie das Reeperbahn Festival versucht, Kuratierung und exklusive Formate zu bieten, damit Musikindustrie-Leute nicht nur nach Hamburg reisen, um sich dann das “Gratis-Programm” in den Kneipen St. Paulis zu gönnen.

3. Festivals als echte Experience und Sehnsucht nach Echtheit

Wir sprechen darüber, dass Live-Events weit mehr sind als die Musik alleine. Festivals und Konzerte erzeugen Zugehörigkeit, Erinnerungen und reale Begegnungen. Nach Corona, nach Jahren mit digitalem Konsum, wird die Nachfrage nach realen, unverfälschten Erlebnissen wieder steigen. Das heißt für Veranstaltende: Erlebnisdesign wird wichtiger als reine Actsliste.

Das bedeutet auch, dass die Branche sich mehr um das Drumherum kümmern muss: Nachhaltigkeit, faire Arbeitsbedingungen und eine Atmosphäre, in der Menschen wieder gern zusammenkommen. Ein gutes Festival ist ein soziales Produkt, keine rein kommerzielle Veranstaltung.

4. Wie du in die Branche kommst: Netzwerken, Praktika, Community

Evelyn und Oktay wiederholen einen einfachen Punkt: Die Livebranche lebt vom Netzwerk. Praktika, Mentoring-Programme, Verbände und Messebesuche sind oft die Türöffner. Es reicht nicht, nur auf Stellenausschreibungen zu starren. Geh hin, frag Leute, biete Hilfe an und zeig Interesse.

Für junge Menschen ist eine Ausbildung in Veranstaltungsmanagement oder ein Ausbildungsplatz in Clubs eine starke Basis. Die Leute, die heute als Nachwuchs rausgehen, kennen Venues, Betreiber:innen und Festivals in- und auswendig. Das ist unbezahlbares Kapital.

5. Zukunftsfähige Skills: KI, Tech und Menschlichkeit

KI und Automatisierung sind ein Thema, das immer wieder fällt. Beide Gäste sind sich einig: KI wird vielerorts Routineaufgaben übernehmen, aber sie kann menschliche Beziehungen nicht ersetzen. Skills, die in den nächsten Jahren wichtig werden, sind also eine Kombination aus Tech-Verständnis und stark ausgeprägter Sozialkompetenz.

Wer heute in die Branche einsteigt, sollte Tech-Grundkenntnisse mitbringen oder sich aneignen, gleichzeitig aber die Fähigkeit, mit Menschen zu arbeiten, Netzwerke zu knüpfen und kreative Lösungen zu entwickeln. Die Balance entscheidet.

Mehr lernst du in dieser Folge ThemaTakt!

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Ich freu mich schon in genau einer Woche in Köln auf der C/o-Pop zu sein. Bist du auch am Start? Antworte mir kurz auf die Mail und vielleicht schaffen wir es auf einen Kaffee. Am Donnerstag (16.04.) um 13:15 werde ich im Cinenova (Stage 2) mit Live mit Kristof Jansen (Vice President Groove Attack) sprechen. Ich freu mich, wenn du rumkommst! (Dominique Casimir musste leider absagen, aber das Interview holen wir nach!)

Vielen Dank fürs Lesen und bis bald!

Tobias Wilinski (ThemaTakt-Host)

PS: Ich freu mich über dein Feedback. Findest du den Newsletter in der Form interessant oder wünschst du dir andere Inhalte? Hast du eine Idee für eine Rubrik? Möchtest du mehr Interview-Parts oder Stellenausschreibungen?

„Ich stell mir alle paar Jahre die Sinnes-Frage. Bin ich hier richtig?
Mach ich das richtig? Fühlt sich das gerade gut an?“

Oktay Can
(Business Development Manager Paylogic | See tickets)

Vorgestern vor 9 Jahren habe ich die erste ThemaTakt-Folge veröffentlicht. Streng genommen waren es drei Folgen (ein Interview mit Patrice, eins mit Disarstar und eins mit mir selbst - das ich mir seit Jahren nicht mehr angehört habe, weil es mir mittlerweile zu cringe ist…). Warum gleich drei Folgen? Ich hatte ein Jahr vor Veröffentlichung (also 2016) meine Bachelor-Arbeit über Hürden und Potenziale in der Monetarisierung von Podcasting geschrieben. Damals wussten noch nicht so viele, was ein Podcast eigentlich ist. Das sollte sich aber relativ schnell ändern: Spotify hatte Olli Schulz und Jan Böhmermann zu dem Zeitpunkt gerade eingekauft.

In der Recherche für meine Bachelor-Arbeit hatte ich eben rausgefunden, dass wenn ich mit drei Folgen starte, ich viel mehr Downloads erzielen würde und so leichter die Apple Podcast-Charts stürmen würde. Das war natürlich viel schwieriger als gedacht. Rückblickend habe ich teilweise auch ziemlich dumme Entscheidungen getroffen (beispielsweise habe ich ThemaTatk nochmal zusätzlich bei Soundcloud hochgeladen, weil sich der Player bei Facebook direkt abspielen ließ).

Eine zeitlang war mein Plan, drei Podcasts zu verschiedenen Themen zu produzieren - daraus wurde aber nichts. Die Einnahmen durch Steady und Patreon waren auch geringer als ich dachte. Deswegen habe ich mir nach ein paar Monaten ohne Einkommen einen Job bei Radio Fritz gesucht. Beziehungsweise hat er mich gefunden (s/o an Headhunter Arne Lehrke).

Es gab teils auch Phasen, in denen ich mich kaum motivieren konnte, an ThemaTakt zu arbeiten. Das lag an ganz verschiedenen Gründen. Als wir 2020 im Lockdown saßen, hatte ich einfach keine Lust auf Remote-Interviews mit blechernem Sound. Rückblickend hätte ich wahrscheinlich gerade in diesem Jahr den Erfolg (sprich Abrufe) steigern können. Im Januar 2020 hatte ThemaTakt nämlich die meisten Downloads ever. Aber am Ende entwickelt sich meine Beziehung zu meinem Podcast Jahr für Jahr.

Vom Musik- zum HipHop-Business-Podcast

2017 war ThemaTakt mein Baby. Und es sollte natürlich alles können “Musik-Interview-Podcast” war damals der Untertitel. Inspiriert von meinem Ex-Genius Kollegen Shawn Setaro und seinem Podcast “The Cipher” (RIP), wollte ich Leute aus der Musik-Industrie interviewen, aber vor allem Musiker:innen - auch für die Reichweite. Aber das Game veränderte sich: Früher war es so, dass die Juice (RIP) beispielsweise große Artists interviewen konnte, wenn sie im Gegenzug auch kleinen Artists eine Plattform bot (beide Artists beim selben Label bzw. Promo-Agentur). Dann kamen Snapchat und Insta-Stories und plötzlich gab es viele spannende, erfolgreiche Artists, die kein einziges Interview gaben, weil sie es nicht brauchten. Und die Artists, die Interviews gaben, gaben dann sehr viele. Sodass ich mir irgendwann Fragen stellte: Auch, wenn es Spaß gemacht hat, braucht es noch ein ThemaTakt-Fatoni-Interview, wenn in den letzten Wochen schon fünf anderen Audio-/Video-Interviews von ihm rausgekommen sind? Gibt es mir und der “Medien-Landschaft” nicht mehr, wenn ich stattdessen eine Person interviewe, die selten in der Öffentlichkeit spricht - vielleicht noch nie ein Interview gegeben hat…?

Der Aufwand ist egal

Und so hat sich mein Podcast-Baby entwickelt und spezialisiert. Vom “HipHop-Interview”- zum “HipHop- und Musikbusiness-Podcast”. 2021 hatte ich Lust, Beiträge zu basteln. So nennt man es beim Radio beispielsweise, wenn man ein Skript schreibt, und einspricht und zwischendrin immer wieder O-Töne von Gästen einbaut. (Ich komm ja aus dem Radio und hab 2011 vor meinem Studium knapp ein Jahr bei Radio Lippewelle Hamm gearbeitet.) Diese Folgen hießen ”Musikbusiness-Trends 2021” oder ”Tipps für Künstler:innen”. Sie waren sehr aufwendig, aber meine Rechnung war: Wenn ich 9 Leute im Beitrag zu Wort kommen lasse und alle teilen diese… die Folge explodiert! Ich sag mal so: “explodiert” trifft es nicht ganz. Überraschenderweise hatten die Folgen mit vielen Gäst:innen oft weniger Abrufe als die Folgen mit einer einzigen Person im Interview. Woran liegt das? Erstens: Leute kennen und mögen Gesprächs-Podcasts. Zweitens: Leute klicken nur, wenn sie wissen, was sie bekommen. Das merke ich auch in meiner jetzigen Arbeit als YouTube-Redakteur beim rbb. Die größte Aufgabe ist es, die Inhalte so zu verpacken, dass Leute anhand von Titel und Bild erkennen, was sie erwartet. Das ist bei Podcasts nicht viel anders, wobei das Bild auf manchen Plattformen so winzig ist, dass es leider keine große Hilfe ist.

Aufwendige Folgen liefen also nicht dem Arbeitsaufwand entsprechend. Schlimm? Nein. Schade war das, klar. Aber ich musste mir hier wieder die Frage stellen: Warum mach ich das eigentlich? Und zwei große Motivatoren waren schon immer: Weil es mir Spaß macht und weil ich lerne. Ich lerne wie das Musik-Business funktioniert, lerne Technik (Welche Mikros sind gut? Wie reduziere ich Hall?…) und vor allem lerne ich Menschen kennen. Bestes Beispiel: Head of TuneCore Germany Colin Eger. Nach dem ich ihn interviewt hatte, sind wir in Kontakt geblieben. Ich hatte ihn auch zu meinem Geburtstag eingeladen, wir sind gute Freunde geworden und (Spoiler) zwei Jahre später war er mein Trauzeuge (zusammen mit Freddy, den ihr in der allerersten ThemaTakt-Folge hört).

Und dann waren es drei Podcasts

Meine Arbeit macht mir Spaß, wenn ich neues ausprobieren kann. 2021 habe ich einen ThemaTakt-Newsletter gestartet. In dem hatte ich vor allem Musikbusiness-News zusammengefasst. Dann ist mir aufgefallen, dass ich das ganze ja auch einsprechen und als Folge veröffentlichen könnte: “Das Musik-Business-Update”. Gleichzeitig wollte ich aber auch wieder mehr über Musik und nicht über Business sprechen. Geboren war der Spotify Music+Talk (RIP) Podcast “ThemaTakt-Radio”. Und dann war ich auch noch Co-Host vom “Talk This Way”-Podcast. Den hatte ich zusammen mit Patrick Thiede gestartet, nachdem ich Patrick bei ThemaTakt zu Gast hatte und meinte, dass ich ganz gerne mehr Podcasts - auch für Labels - produzieren würde. (Patricks Label heißt “Walk This Way Records”.) Bei “Talk This Way” musste ich “nur” moderieren. Um den (Video-)Schnitt kümmerten sich die Kollegen. Das war traumhaft. Aber, dass ich drei Podcasts genügend Zeit, Aufmerksamkeit und Liebe entgegenbringen könnte - ohne diese Liebe zu verlieren, weil mich die Arbeit an den Projekten zu sehr stresst… das war ambitioniert. Aber ich hatte Spaß und war motiviert.

Reality Check: Es gibt Wichtigeres

Meine Motivation habe ich kurz darauf komplett verloren. Bei meiner Frau (damals Freundin) wurde Krebs diagnostiziert. Ob der lebensbedrohlich sein könnte, war erstmal nicht klar. Die Monate nach der Diagnose gehörten zu unseren härtesten. Die Frage: “Warum mach ich den Podcast überhaupt?”, konnte ich in der Zeit nicht beantworten. Erst dachte ich, dass die Arbeit daran, mich etwas ablenken könnte. Aber am Ende saß ich wie paralysiert vorm Rechner. Mein Podcast schien mir im Vergleich zu allem anderen in meinem Leben einfach nur unwichtig. Es fällt mir nicht leicht, darüber zu schreiben. Und mir kommen auch jetzt die Tränen, wenn ich an die Zeit zurückdenke, die ich mir so anders für meine Frau gewünscht hätte. Es folgten OP und Therapie und heute gilt meine Frau zum Glück als geheilt. Aber, dass man sich bei Krebs darauf nicht “ausruhen” kann, ist klar. So bleibt eine gewisse Angst. Wahrscheinlich ein Leben lang.

Erwachsen werden

Eine Folge im März, die nächste im Juni… ein Blick auf die Episoden 2022 zeigt: Da war gar keine Konstanz. Das lag aber auch am “Talk This Way”-Podcast. Für den produzierten wir 11 Folgen und veröffentlichten 10 (ein Artist hatte juristische Probleme mit seinem Management, sodass eine Folge nie erschien und vermutlich auch nicht mehr aufgetaut wird). 2023 war ich aber wieder Top-motiviert und dachte, ich würde den Spotify-Algorithmus knacken, die Charts stürmen, indem ich wöchentlich veröffentliche. Dafür habe ich das Shuko-Interview sogar in drei Teile geschnitten. (Vielleicht etwas zu viel des Guten.) Es war das erste Mal, dass ich eine ThemaTakt-Staffel produzierte, Themenschwerpunkte setzte und einen Veröffentlichungsplan erstellte. Und dann, war ThemaTakt nicht mehr mein einziges Baby. Denn dann kam unser Baby.

Family (and friends) first

“In den drei Monaten Elternzeit kann ich bestimmt auch gut ein paar Folgen aufnehmen.” Habe ich naiv gedacht. Nichts habe ich geschissen bekommen (außer Windeln.) Keine ThemaTakt-Folge zwischen Oktober und Mai. Mit sieben Monaten meine längste Podcast-Pause aller Zeiten. Aber es war okay.

Nichts hat mein Leben so schnell, so radikal verändert, wie Papa sein. Gerade im ersten Jahr mussten wir unser Leben auf vielen Ebenen umstellen. Zeit wurde auf einmal sehr viel kostbarer. (Schlaf auch). “Jetzt ne Folge aufnehmen?” - der Gedanke kam mir erstmal nicht. Lieber eine Freundin auf einen Kaffee treffen, mit Colin zum Basketball oder mit unserem schlafenden Baby auf die Couch kuscheln.

“Hilft dir deine Familie mit dem Arbeitsstress besser umzugehen, weil du ihn besser einordnen kannst?” Die Frage stelle ich Believe-Verlagschefin Alex Ziem im Interview. Ihr war im Verlauf ihres Lebens aufgefallen, dass der Job eher ein Game ist. Was wirklich zählt ist, dass es der Familie gut geht. Das alle gesund sind.

Gesunde Beziehung zum Podcast entwickeln

Ich würde sagen, dass ich in den letzten Jahren eine gesündere Beziehung zu meinem Podcast habe. Es ist für mich immer ein Spagat: Ich muss ThemaTakt eine gewisse Wichtigkeit in meinem Leben geben - weil ich sonst auch gleich aufhören könnte, Folgen zu veröffentlichen. Gleichzeitig darf ich den Podcast auch nicht zu ernst nehmen. Sonst liege ich abends im Bett und statt zu schlafen, mache ich mir unnötige Gedanken. Denn: In der Medien-Branche ist es sehr leicht frustriert zu sein. Man kann schnell eifersüchtig werden. Kurz durch Insta scrollen und Fragen ploppen auf: Warum war ich nicht zu dem Event eingeladen? Ich wollte doch auch xy interviewen, warum wurde meine Anfrage abgelehnt? Der ist für Award XY nominiert - warum ich nicht? - Klingt alles recht selbstmitleidig… ist es auch. Aber ein Gefühl, dass ich nicht ablegen konnte: Wenn ich für ThemaTakt schon kaum Geld bekomme, dann doch wenigstens Anerkennung. Und die bekam ich dann auch.

And the winner is…

Über die Jahre hinweg habe ich ThemaTakt immer wieder für Preise eingereicht. Komplett alleine einen Podcast zu starten, auf ein hohes Niveau zu bringen (inklusive gebauten Beiträgen!) und so lange durchzuziehen… Wer hat solche Kombos? Trotzdem war ich 2024 überrascht als ich tatsächlich neben Kat Ott-Alavi, Lena Kampf und Daniel Drepper für den Listen to Berlin-Award nominiert war. Chancen habe ich mir da wirklich keine ausgerechnet. Für mich war es schon eine große Anerkennung nach über sieben Jahren endlich mal für irgendwas nominiert zu sein. Als bei der Preisverleihung dann mein Name genannt wurde, konnte ich es nicht glauben. Und selbst heute muss ich mir manchmal sagen: “Du hast echt einen Preis gewonnen!”

Am Ziel?

Als ich den Preis gewann, war ich gerade wieder in Elternzeit. In den ersten drei Monaten Elternzeit nach Geburt habe ich (wie gesagt) gar nichts veröffentlicht. Diesmal hatte ich in der Zwischenzeit vorgearbeitet und konnte trotz Elternzeit monatlich veröffentlichen. Um ehrlich zu sein, war ich, als ich gerade nachgeschaut habe, selbst positiv überrascht: Seit Mai 2024 konnte ich jeden Monat mindestens eine Folge veröffentlichen. Kein wöchentlicher Release wie damals, aber auch keine Pause. Und es fühlt sich gerade genau richtig an.

Warum mach ich das noch?

Warum podcaste ich (immer noch)? Es sind ganz viele Gründe: ThemaTakt ist meine Spielwiese. Wenn ich eine Idee habe, kann ich sie umsetzen und veröffentlichen: Ein neues Folgen-Format, Interviews mit zwei Kameras für YouTube, einen Newsletter in dem ich meine Lebensgeschichte erzähle - raus damit! Der Podcast gibt mir eine gewisse Freiheit, mit der ich mittlerweile gut umgehen kann (aus der schieren Menge an Möglichkeiten auszuwählen, hat mich aber auch schon manchmal überfordert). Durch ThemaTakt kann ich Menschen und wichtigen Themen eine Bühne geben und hoffe, dass ich so die Gesellschaft oder zumindest die Musikbranche positiv beeinflussen kann. Es macht mir einfach Spaß neue Leute kennenzulernen und ihre Lebensgeschichten kennenzulernen. (Das ging damals Easy auf WG-Partys - jetzt brauch ich dafür nen Podcast…) Und, wenn daraus sogar Freundschaften (oder Trauzeugen) entstehen, umso schöner.

Ein Ziel: Mehr Geld mit dem Podcast einnehmen, damit ich Kosten decken, Zeit investieren kann und das Finanzamt mich nicht als Hobby-Podcaster abspeist. Im letzten Jahr war mein Fokus auf Live-Podcasts, die eine gute Einnahmequelle geworden sind, aber in Zukunft werde ich Merch veröffentlichen und Steady und Substack als Einnahmequellen aufbauen. Wenn du mir einen Geburtstagskuchen spendieren willst: Hier ist meine PayPal-Spendentasse.

TL:DR - Was ich dir mit diesem Post mitgeben will

Eigentlich wollte ich nur kurz die Newsletter-Einleitung zur Folge “Dein Weg in die Festival-Branche” schreiben. Dann hat es mir so viel Spaß gemacht, dass ich doch ein kleines bisschen mehr erzählt habe.

Egal ob Artists, Podcaster oder einfach Kreativ: Brennst du dafür ein Projekt (Podcast, eigene Musik, YouTube-Kanal) zu starten, dann mach es! Plan nicht zu lange, sondern veröffentliche lieber und schau dann, wo du noch Dinge verbessern kannst. Und in den nächsten Monaten und Jahren: Arbeite an einer gesunden Beziehung zu deinem Projekt. Frag dich von Zeit zu Zeit: Macht mir das immer noch Spaß? Falls nicht, was muss (s)ich ändern? Wo sollte ich den Fokus in Zukunft setzen? Rückblickend ist es schade, wenn du dein (gutes) Projekt einstellen musst, weil es dich ankotzt. Das lässt sich mit der Beziehungsarbeit glaube ich vermeiden. Vielleicht startet es mit einem Podcast und entwickelt sich dann zu einem Community-Event. Oder umgekehrt (S/o Der Rapstammtisch).

Mir persönlich macht Social Media immer weniger Spaß. Ohne Instagram ist es aber leider schwierig größere Reichweiten zu erzielen. Hier muss ich noch einen guten Umgang finden. Meine Beziehung zu ThemaTakt hat sich in den letzten 9 Jahren immer wieder geändert - so wie mein Leben. Und ich denke, dass das in den nächsten 9 Jahren auch so sein wird. Ohne Änderungen wäre es auch langweilig.

Wenn du schon ein Projekt hast (oder mehrere). Nimm dir jetzt mal eine Minute, Blick darauf zurück, realisier wie viel Arbeit, Liebe und Spaß du dareingesteckt hast, was du dadurch gelernt hast und egal wie viele Klicks oder Likes du dafür gesammelt hast, erlaub dir einfach mal stolz zu sein. Auf dich und dein Baby.

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Tobias Wilinski (ThemaTakt-Host)

„Gerade Privilegierte Menschen müssen lernen, betroffenen Menschen zuzuhören. Und das nicht nur im Black History Month.“

JNNRHNDRXX (Artist)

Als Yannick Niang beim mir im ThemaTakt-Interview war, ging es unter anderem, um seine Empfindungen, ob eine Booking-Anfrage ernstgemeintes Interesse oder Tokenismus ist. Die ganze Diskussion (und weil wir uns einfach sehr gern haben) hat uns dazu bewegt, ein Panel auf der Konferenz Most Wanted: Music zu organisieren. Mit der Unterstützung von Lina Burghausen (die ihr auch im RBF Deep Dive-Podcast hören könnt) und den Gästen JNNNRHNDRXX (Artist), Tina Wedmann (Collective Spotlight & Initiative Musik) und Fikri Anıl Altıntaş (Autor & Aktivist) ging es in unserem Talk, um die Frage: Wie kann gute Allyship in der Musikindustrie aussehen?

Hier sind ein paar Antworten aus der Folge:

Allyship in der Musikindustrie

1. Allyship heißt zuhören und Verantwortung übernehmen

Zuhören ist die Basis. Als nicht-betroffene Person Ally zu sein heißt, die eigene Rolle zu reflektieren, Kritik ernst zu nehmen und nicht in Verteidigungsmodi zu verfallen. Wer wirklich unterstützen will, gibt Raum.

Verantwortung übernehmen bedeutet auch, andere Männer zur Rechenschaft zu ziehen. Viele Frauen und marginalisierte Menschen werden seit Jahren gehört, aber nicht ernst genommen. Wenn Männer sich solidarisieren, sollten sie aktiv Strukturen infrage stellen und Handlungen folgen lassen.

2. Performative Allyship entlarven und vermeiden

Wir haben auch über Tokenismus und Show-Allyship gesprochen: Pride-Flagge posten, auf der Bühne kurz Solidarität signalisieren und gleichzeitig mit problematischen Künstlern kollaborieren. Das ist keine echte Allyship.

Echte Allyship zeigt sich in Konsequenz. Es ist weniger das laute Statement vor der Kamera, sondern die dauerhafte Praxis: Leute empfehlen, Kolleginnen buchen, kritisches Verhalten ansprechen, Ressourcen verschieben. Wenn jemand Kritik nicht annehmen kann, ist das ein klares Zeichen, dass es nicht ernst gemeint ist.

3. Festivals und Bookings müssen strukturell verändert werden

Eine der häufigsten Ausreden ist, es gäbe “nicht genug” Künstlerinnen oder People of Color. Das ist meistens Bullshit. Viele Festivals haben einfach homogene Booking-Teams. Wenn Booking-Teams diverser werden, wird auch der Lineup-Mix diverser.

Praktische Ideen: Booking-Teams diverser besetzen, Kollektive und kuratierte Bühnen vergeben oder aktiv nach Empfehlungen fragen. Und: Wer bucht, sollte nicht nur an den günstigsten Act denken, sondern an die Sicherheit und Sichtbarkeit von marginalisierten Künstlerinnen.

4. Sicherheit, Kompensation und Ressourcen gerecht verteilen

Diversity kostet oft Geld, und das ist nichts Schlechtes. Kompensation für Unsicherheitsfaktoren und faire Bezahlung sind Teil von echtem Support.

Außerdem brauchen viele Künstler:innen und marginalisierte Kolleg:innen andere Ressourcen: einen eigenen Backstage-Raum, Honorare für zusätzliche Betreuung, oder Aufwandsentschädigungen. Diese Mehrausgaben sind Investitionen in echte Inklusion, nicht bloßes Luxusgehabe.

5. Solidarität unter Betroffenen ist mächtig und sichtbar

Support ist kein Mord. Kollegiale Netzwerke, gegenseitiges Pushen und Credits verteilen funktionieren. Wenn Künstler:innen sich gegenseitig empfehlen oder zusammen auftreten, steigt die Sichtbarkeit deutlich.

Gleichzeitig entkräftet das das Narrativ von Konkurrenz. Wenn Menschen in marginalisierten Gruppen sich unterstützen statt sich gegenseitig auszustechen, entsteht Raum für nachhaltige Karrieren und echte Sichtbarkeit. Das gilt auch für Panels, Jurys und Festivalbühnen.

Handlungsempfehlungen für deine persönliche Allyship

1. Audit: Schau dir dein Booking- oder Playlist-Verhalten an

Überprüfe die letzten 12 Monate. Wie divers sind die Acts, Features oder Empfehlungen, die du gemacht hast? Dokumentieren schafft Bewusstsein.

2. Empfehlung statt Token

Wenn du gebucht wirst oder Ressourcen hast, frag aktiv: Wen kann ich mitbringen? Empfehle gezielt Menschen aus marginalisierten Netzwerken und buche sie mit.

3. Kompetenz statt Self-Branding

Wenn du als Ally posten willst, sei vorbereitet. Rechne damit, dass es Fragen und Kritik geben kann. Wenn du nicht die Zeit oder Kapazität hast, das auszuhalten, verzichte lieber auf den öffentlichen Akt und unterstütze offline.

4. Sorge für Sicherheit und faire Bezahlung

Wenn du Veranstalter bist, plane ein Budget für Sicherheitsmaßnahmen und gegebenenfalls höhere Gagen ein. Das ist Teil der Verantwortung.

5. Accountability:

Wenn du in einer privilegierten Position bist, sprich andere Männer auf problematisches Verhalten an und interveniere öffentlich, wenn nötig. Halte nicht nur Solidaritäts-Statements ab, sondern handle.

6. Credits und Sichtbarkeit teilen

Nenne Quellen, gib Kolleginnen Shoutouts und verlinke sie. Sichtbarkeit kann konkret Karrieren fördern.

Echtes Allyship ist praktisch und dauerhaft. Es ist kein One-off-Post oder eine PR-Masche. Wer wirklich unterstützen will, ändert seine Handlungen, seine Budgetentscheidungen und sein Booking-Verhalten. Sichtbarkeit ohne Verantwortung ist am Ende nur Applaus.

Mehr Infos gibt’s in dieser Folge ThemaTakt!

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Lesetipps:

Wenn du traurig bist, dass dieser Newsletter schon wieder vorbei ist, hab ich noch zwei Lesetipps für dich. “DEUTSCHRAP Songs und Storys - Chronik einer Kultur” von Jan Wehn (mit dem ich mich vor ein paar Jahren ausführlich über sein Leben unterhalten habe.) Und “Das können wir uns nicht leisten - was es bedeutet in Deutschland arm zu sein” von Miriam Davoudvandi.

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Tobias Wilinski (ThemaTakt-Host)

„Eigentlich ist es völlig egal, was hinter der @‑Adresse steht. Du brauchst jemanden, der im Verlag für dich rennt und Bock auf dich hat.“

Alex Ziem (Head of Publishing bei Believe)

Musik-Business bleibt ein Peoples-Business und noch nie hatte ich so viele People gleichzeitig zu Gast wie bei diesem. Beim Live-Podcast auf der Mainstage der Beatcon habe ich mit Alex Ziem (Head of Publishing bei Believe), Zinobeatz (Producer & Verlagsinhaber), Daniel Dadgar (International Marketing Manager Tunecore Deutschland), Edoardo Rossi (Selbständiger Verleger) und Danny “D-Bo” Bokelmann (Label- & Verlagsinhaber & Manager) gesprochen. D-Bo könnt ihr ausführlich in dieser OG-ThemaTakt-Folge hören und ein ausführliches Interview mit Alex Ziem habe ich vor 2 Wochen aufgezeichnet. Folgt dem ThemaTakt-Podcast, um das nicht zu verpassen. Jetzt springen wir aber erstmal zurück zum Producing.

5 Dinge, die wir aus dieser Folge lernen können:

1. Verlag vs. Label: Was wirklich zählt

Viele verwechseln noch immer Label- und Verlagsfunktionen. Labels kümmern sich primär um Master/Record-Seite, Verlage um Songrechte/Copyright. Für Producer ist der Verlag ein strategisches Zuhause, weil er urheberrechtliche Einnahmen absichert, Bürokratie übernimmt und kreative Placements (Camps, Collabs) organisiert.

Der praktische Rat: Lass dich nicht von großen Logos blenden. Frag vielmehr: Wer im Unternehmen kennt deine Musik? Wer ruft für dich an? Wer bringt dich in Sessions? Diese Antworten sind oft aussagekräftiger als der Brandname.

2. Warum Publisher für Producer so wichtig sind

Producer können als Autoren Urheberrechte beanspruchen und damit Einnahmen sichern, die nichts mit reinen Spotify-Auszahlungen zu tun haben. Verlage kümmern sich um Anmeldung, Abrechnung, Placements und Songwriting-Camps. Gerade wenn du Samples nutzt oder international platzieren willst, ist Verlags-Expertise Gold wert.

Und: Ein Verlag kann dir Türen öffnen, die du allein nicht siehst: von Placements über internationale Kollaborationen bis hin zu Sync- (also Platzierung in Film und Serien) oder Werbedeals.

3. Branding und Selbstvermarktung für Producer

Producer, die sichtbar sind (Producer‑Tags, eigene Releases, Social‑Presence), haben heute klar bessere Chancen. Gleichzeitig ist das für viele schwierig, weil sie lieber im Studio bleiben, Musik machen wollen und keinen Bock haben, sich selbst mit dem Handy zu filmen.. Die Lösung ist ein Mix: baue ein klares, konsistentes Profil auf (Mood, Sound, Tag), aber nutze auch Partner, die das Marketing übernehmen, wenn du dich nicht wohlfühlst. Oder filme den Prozess: Wie entsteht dein Beat?

Tipp aus der Runde: Producer müssen nicht wie Popstars auftreten - ihre Marke kann auch „Beat‑Brand“ oder ein Alter‑Ego sein. Wichtig ist Wiedererkennungswert und Professionalität auf ihren Kanälen.

5. Netzwerk, Platzierungen und das Handwerk des Matchmakings

Das Panel hat klar gemacht: Netzwerken ist das A und O. Gute Verlage arbeiten mit Briefings, Ordnern und gezielten Anfragen - sie wissen, wer für welche Aufgabe geeignet ist. Producer, die an den richtigen Stellen sichtbar sind und auf passende Briefings reagieren, platzieren häufiger Samples oder Beats bei größeren Artists.

Außerdem: Nutze die neue Welt der internationalen Kollabs. Ein Track, der in Griechenland oder Holland durchstartet, kann dir Türen öffnen. Die Märkte sind heute global und funktionieren für dich vielleicht besser als der Heimatmarkt.

5. Verträge, Red Flags und Rechtliches - was du wissen musst

Unterschreibe nichts blind. Achte auf Vorschüsse, sexy Wörter wie “Mindesteinbringungspflichten” und Optionsklauseln. Verlage verzichten aber auch auf strenge Eingabepflichten, gerade wenn sie keine Vorschüsse zahlen. Wichtig ist außerdem: Wenn du Rechte abgibst, muss klar im Vertrag stehen, was du im Gegenzug dafür bekommst.

Konkrete Warnsignale: unklare Rückgaberegeln, fehlende Verpflichtung des Verlags zur aktiven Auswertung, oder Verträge, die schwer zu kündigen sind. Tipp: Rechtsberatung einholen oder zumindest jemanden mit Erfahrung fragen und nutz die Community, um Referenzen zu prüfen.

Actionable Steps - Was du jetzt konkret tun kannst

1) Melde dich bei der GEMA/Verwertungsgesellschaft an (so früh wie möglich). Ohne solid dokumentierte Rechte verlierst du Geld und Schutz.

2) Erstelle ein professionelles Pitch‑Paket: 5 starke Beats/Samples, kurze Bio, Links zu Socials, Streaming‑Stats (falls vorhanden). Bereite auch ein kurzes One‑Pager‑PDF vor.

3) Starte mit DIY‑Distribution (z. B. TuneCore oder ähnliche) für eigene Releases, um eine Rechtekette zu etablieren und Flexibilität zu behalten.

4) Präsentiere dich gezielt: Optimiere dein Insta/LinkedIn/YouTube‑Profil auf Producer‑Mood (keine rein privaten Feeds). Ein Producer‑Tag, klare Cover‑Art und konsistente Ästhetik helfen.

5) Network‑Routine: Plane jede Woche 2 Stunden „Kontaktpflege“ - DMs, kurze Check‑ins mit A&Rs, Teilnahme an Listening-Sessions. Kontinuität schlägt spontane Hypes.

6) Umgang mit Samples: Wenn du Samples nutzt, spiel sie nach oder kläre Rechte vorher - sonst drohen spätere Rechtsstreitigkeiten oder Takedowns.

7) Vertragscheck: Wenn ein Verlag oder Label anklopft, lass dir die Kontaktpersonen nennen, prüfe Referenzen, frag nach konkreten Leistungen (Placements, Camps, Abrechnung) und bestehe auf Klartext in der Vereinbarung.

8) Entwickle Skills weiter: Arbeite an einem echten USP (z. B. bestimmte Drum‑Sound, Keys‑Signature, oder ein ungewöhnlicher Fusion‑Stil).

9) Suche Partnerschaften: Wenn du kein Bock aufs Self‑Marketing hast, hol dir jemanden, der’s macht: Management, Partner‑Producer oder ein Verlag, der aktiv promoted.

10) Kleine Experimente: Veröffentliche gelegentlich ein Sample‑Pack oder Mini‑EP, um Aufmerksamkeit zu testen und Feedback zu sammeln.

Fazit:

Ich fand die Mischung aus Praxis, Anekdoten und ehrlichen Warnungen super. Besonders das wiederkehrende Motto: Leute over Logos. Verlage, die echt investieren, bringen mehr als jeder große Labelname - vorausgesetzt, sie haben Bock auf dich und arbeiten aktiv. Aktiv sein musst du natürlich auch und eine Menge Geduld mitbringen.

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Tobias Wilinski (ThemaTakt-Host)

PS: Ich freu mich sehr, dass ich den nächsten Live-Podcast schon ankündigen kann. Auf der C/o-Pop werde ich am 16.04. um 13h15 Dominique Casimir (Co-Founder umn-Entertainment) interviewen. Also, komm rum!

„Der größte Fehler ist, seine Träume nicht zu leben - mach Musik, verschick deine Beats und bleib dran!“

Nils Again (Producer)

Die USA gelten seit Jahrzehnten als das Mekka der Musikproduktion, vor allem im HipHop. Für viele Producer aus Deutschland und Europa ist der Traum groß: Den eigenen Sound nach Amerika zu bringen, mit Top-Artists wie Travis Scott oder Metro Boomin’ zu arbeiten und größere Erfolge zu landen. Doch während die Qualität der Beats oder Samples eine Grundvoraussetzung ist, spielen noch viele weitere Faktoren eine Rolle, die den Weg nach Amerika erschweren oder erleichtern. In meinem Live-Podcast auf der Mainstage der Beatcon habe ich mit dem Musikbusiness-Experten Niklas Jürgensen und den Producern Nils Again und Stoopid Lou gesprochen. Habe Einblicke bekommen, wie du Beats bzw. Samples erfolgreich in die USA pitchst, welche Fehler du vermeiden solltest, welche Rolle rechtliche Aspekte einnehmen und was dich persönlich auf dieser Reise erwarten kann.

5 Dinge, die wir aus dieser Folge lernen können:

1. Die Realität auf dem US-Musikmarkt kennen und leben

US-HipHop ist in Sachen Business deutlich chaotischer und unorganisierter als der deutsche Markt. Beats werden oft ohne Absprache mit Produzenten veröffentlicht, Geld fließt teilweise deutlich verspätet oder gar nicht, und du musst mittendrin immer selbst versuchen, das Richtige aus der Situation zu machen.

Deshalb ist das tiefgründige Kennenlernen des Markts entscheidend: Wer sind die angesagten Artists, Producer, Manager, Studios? Welche Sounds funktionieren gerade? Es reicht nicht, einfach wahllos Beats zu schicken, du musst den Markt leben und atmen. Nur Disziplin und permanentes Arbeiten und Vernetzen bringen dich rein.

Erstelle deine persönliche Landkarte der US-Szene, indem du Research auf Spotify, Genius, Instagram und Co. betreibst. Finde heraus, welche Producer mit welchen Künstlern arbeiten und höre ihre neuesten Produktionen, um am Puls der Zeit zu bleiben.

2. Beziehungen aufbauen geht nicht von heute auf morgen

Viele Producer scheitern. Sie sind demotiviert, weil nicht sofort Feedback oder sogar ein Placement kommt. Doch die Realität ist ein „Try and Error“ über Monate oder Jahre. Du brauchst ein kleines Netzwerk von 5 bis 10 Leuten, bei denen du konstant Beats einschickst. Viele davon melden sich selten, manche gar nicht, aber dieses „Nichts“ kann in Wahrheit der Grundstein für spätere Erfolge sein.

Die Kommunikation ist meist einseitig, was viele entmutigt. Doch gerade dann heißt es: „Weitermachen und verbessern, dranbleiben!“ Niklas Jürgensen warnt, dass viele zu schnell aufgeben, dabei ist der Aufbau von Vertrauen und Respekt essenziell.

Fokussiere dich auf wenige, gut ausgewählte Kontakte und interagiere auf persönlicher Ebene - nicht mit Spam-DMs, sondern mit echtem Interesse an ihrer Musik. Dranbleiben ist entscheidend.

3. Nutze deine Einzigartigkeit und baue Brücken

Producer versuchen häufig, genau den bereits erfolgreichen Sound zu kopieren. Nils Again gibt im Talk ein Beispiel, wie er gesehen hat, dass ein Artists noch keine Gitarren-Beats hat. Seine Devise: Nicht einfach eindimensional bedienen, sondern eine Lücke finden und so zur „Go-to“-Person werden. Das hebt dich von der breiten Masse ab und schafft gute Grundlage, um vom ersten Beat zu echten Placements zu kommen.

Analysiere, wo du mit deinem Sound oder Instrumenten einen Mehrwert für US-Produzenten bieten kannst – vielleicht ist es ein cooler Gitarrenriff, eine spezielle Melodie oder ein einzigartiges Sample.

4. Verträge & Bezahlung: Unterschreibe nie ohne Anwalt!

Einer der größten Fehler in der US-Musikbranche ist es, Beat-Deals ohne rechtlichen Beistand abzuschließen. Das unterscheidet sich stark von Deutschland: US-Recht erlaubt beispielsweise den Verkauf von Urheberrechten (Copyrights), was in Europa nicht möglich ist. Oftmals verstecken sich in Verträgen Klauseln („Work-for-Hire“), die Producern nur geringe Rechte oder Bezahlung garantieren. Ohne guten Anwalt bist du oft der Dumme - so haben die Nils Again und Stoopid Lou selbst Erfahrungen gemacht, mit unbezahlten Hits oder fehlenden Credits. Nils Again geht sogar soweit, dass er eigentlich einen sechsstelligen Betrag auf seinem Konto haben müsste - wenn die Deals alle rechtmäßig gelaufen wären.

Investiere früh in einen erfahrenen Musik-Anwalt, gerade vor US-Deals. Er überprüft die Verträge, warnt vor Fallstricken und hilft dir dabei, auch international faire Konditionen zu erhalten.

5. Der erste große Credit zählt mehr als schnelles Geld

Wenn du am Anfang deiner Karriere keine großen Placements hast, denken viele daran, Deals abzulehnen, die „nur“ einen Credit bieten. Doch gerade das erste große US-Credit ist unbezahlbar für die Karriere: Es öffnet Türen, bringt Respekt und macht dich sichtbar. Nils gibt ehrlich zu: Einige seiner ersten Placements waren Low-Budget, aber die Credits haben ihm erst die nötige Reputation auf Instagram und bei Labels verschafft. Die Podcast-Gäste raten daher, sich mit der eigenen Position abzufinden und strategisch erst einmal den Fuß in die Tür zu bekommen.

Sei geduldig und überstürze nichts. Wenn du ein gutes Placement mit Credit bekommst, feier es und setze es in deinen Profilen und Gesprächen als Vertrauensbeweis ein.

Bonus: Muss ich als Producer in die USA reisen?

Viele fragen sich: Muss ich persönlich in die USA reisen, um erfolgreich mit US-Artists zusammenzuarbeiten? Die Antwort: Nein, zum Produzieren und Pitching ist das kein Muss. Viele Producer aus Deutschland oder Europa haben niemals das Land betreten und arbeiten trotzdem erfolgreich online.

Fazit: Einfach machen und dranbleiben!

Es wird dir niemand den roten Teppich ausrollen – der US-Musikmarkt ist hart, unübersichtlich und oft unfair. Aber genau deshalb ist es eine Herzensangelegenheit und Herausforderung für Producer mit Ambitionen. Ein Studio, Disziplin, ein gutes Netzwerk, rechtlicher Rückhalt und Durchhaltevermögen zahlen sich aus.

Deswegen nochmal: Es kostet Zeit, Nerven und manchmal eine Menge Geld, aber der größte Fehler ist, deine Träume nicht zu verfolgen.

Mehr Insights gibt’s in dieser Folge ThemaTakt!

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Tobias Wilinski (ThemaTakt-Host)

„Technically, there’s still this latency problem. So if you want to swap the voice, you want to convert voice or you want to augment the voice. It’s always a bit of a delay. And in live performance, we have no tolerance for any sort of delay.“

Dr. Alexandra Huang-Kokina (Expertin für Oper und KI)

KI-Hallo! Euch ist wahrscheinlich auch schon aufgefallen, dass zwischen den Podcast-Folgen und diesem Newsletter eine gewisse Latenz liegt. Das ärgert mich selbst auch etwas, aber ich bin zuversichtlich, dass ich langfristig etwas schneller diesen Newsletter verschicke und den Podcast damit einhole. Damit willkommen zu einem spannenden Deep Dive in die Welt von KI-Stimmen und ihrem Einfluss auf das Musikbusiness! Dieser Live-Podcast war für mich als Moderator bislang die größte Herausforderung: Zum einen, weil wir dieses Panel auf der Music Frontiers-Konferenz auf englisch gehalten haben - zum anderen, weil zwei der Teilnehmerinnen einen Doktortitel besitzen. Ich durfte mit drei beeindruckenden Gäst:innen sprechen: Dr. Jemily Rime (Professorin für elektronische Musik) Dr. Alexandra Huang-Kokina, (Expertin für Oper und KI) und Ausrine Skarnulyte, (CEO des Startups VoiceSwap).

5 Dinge, die wir aus dieser Folge lernen können

1. Die technische und künstlerische Herausforderung von KI-Stimmenklonen

Trotz beeindruckender Fortschritte steckt die Technologie der Stimm-Synthese noch in den Kinderschuhen. Latenzzeiten bei der Echtzeit-Stimmenersetzung machen Live-Performances schwierig, und technisch sowie künstlerisch sind Stimmenklone noch nicht perfekt. Besonders in der Oper gilt: Die „echte“ menschliche Stimme bleibt unersetzlich – zumindest fürs Erste. (Ich bin mir auch nicht sicher, ob ich meine Stimme für KI-Zwecke hergeben würde…)

2. KI als erweitertes Kreativwerkzeug, nicht als Ersatz

KI-Stimmenmodelle eröffnen Künstler:innen neue kreative Horizonte - zum Beispiel indem sie es ermöglichen, Songs mehrsprachig zu singen oder auf ganz neue Weise mit der eigenen Stimme zu experimentieren. Häufig wird KI als zusätzliches Instrument genutzt, um Song-Arrangements zu bereichern und Klanglandschaften zu erweitern, nicht aber, um die menschliche Stimme zu ersetzen. (Im Interview mit Rapper Takt32 erzählt er, dass er seine Stimme auf einem Song zu einer weiblichen Stimme geklont und genutzt hat.)

3. Rechte, Kontrolle und faire Vergütung sind zentrale Themen

Stimmenklone sind rechtlich komplex: Wer entscheidet, wie eine Stimme genutzt wird? Und wie wird die Vergütung geregelt? Startups wie VoiceSwap setzen auf klare Einwilligungen der Künstler:innen, individuelle Kontrollmöglichkeiten und faire Einnahmeteiler für den Stimmeinsatz. Die Ausbildung und Aufklärung der Künstler:innen in diesen Fragen ist entscheidend.

4. Vertrauen und Transparenz in der KI-Nutzung

Hinter der Maschine stehen Menschen – Entwickler:innen, Rechteinhaber:innen, Artists. Ohne Vertrauen und Transparenz wird es schwierig, erfolgreiche Kooperationen aufzubauen. Bildung rund um KI-Technologien im Musikbusiness ist somit ein Schlüsselfaktor für eine ethisch vertretbare Nutzung.

5. Kulturelle Akzeptanz und die Balance zwischen Mensch und Maschine

Das Beispiel Hatsune Miku zeigt, dass eine KI-Stimme nicht notwendigerweise hyperrealistisch sein muss, um erfolgreich zu sein. In manchen Bereichen, wie der Popmusik oder experimentellen elektronischen Musik, sind kreativ verzerrte oder künstliche Stimmen erwünscht. Die Oper hingegen bleibt skeptisch – hier wird die menschliche Stimme noch als Herzstück und unverzichtbares Element betrachtet.

Fazit: Was wir aus der KI-Stimmen-Diskussion für das Musikbusiness mitnehmen sollten

Die Integration von KI-Stimmen im Musikbusiness ist mehr als nur technologische Spielerei - sie verändert den kreativen Prozess, eröffnet neue Verdienstmöglichkeiten und stellt uns vor fundamentale ethische und rechtliche Fragen. Doch so revolutionär der Wandel auch ist: Die künstlerische Kontrolle, die transparente Kommunikation und die faire Vergütung der Künstler:innen sollten immer im Zentrum stehen. Die Entwicklungen der letzten Monate zeigen, dass Major-Player hier teils schnellen Schrittes vorangehen. Gerade für Indie-Artists könnte es in Zukunft aber noch schwieriger werden von KI-Stimmen zu profitieren.

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Ich hoffe, dass ihr gut ins neue Jahr gestartet seid und ihr euch jetzt ein wunderschönes Wochenende gönnt!

Vielen Dank fürs Lesen oder Hören und bis bald!

Tobias Wilinski (ThemaTakt-Host)

„Traum-Artists für Unreleased sind so klein wie möglich, haben kein Social Media und noch keinen Song draußen - aber sind krass!“

Fede (Unreleased Berlin-Gründer)

Es war mein allererster Live Podcast auf dem Pop-Kultur Festival in Berlin. Und das vor knapp 200 Leuten. Aber aufgeregt war ich eigentlich nicht, denn zu Gast waren Fede, Waumi und Memo, die selbst bei ihren Unreleased-Shows als Moderatoren vor 1200 Menschen auf der Bühne stehen und die Künstlerin Kiki, die Performance Coaching gibt - also alle Bühnen-erfahren. Und ich hab ja immerhin 2010 den Abi-Ball moderiert und 2023 war ich neben meiner Frau Co-Moderator unserer Hochzeit. Wie gut meine erste Live-Podcast-Moderation geklappt hat, hört ihr überall wo’s Podcasts gibt!

Was ist eigentlich Unreleased?

In dieser Folge habe ich mit den drei Gründern von Unreleased Berlin und der Künstlerin Kiki gesprochen, die selbst bei Unreleased aufgetreten ist. Das Prinzip? Handys sind verboten, damit alle voll und ganz im Moment sind. Es treten meist 10-12 Artists auf – mit je zwei Songs, von denen mindestens einer unveröffentlicht ist. So wird eine Plattform für neue Musik geschaffen, ganz abseits der Algorithmen und üblichen Social-Media-Hypes.

Die magische Kraft vom ersten Mal

Eine der größten Herausforderungen für einen Newcomer ist, einen unveröffentlichten Song vor Publikum zu spielen. Das Gefühl, das eigene Innerste live zu zeigen, ist einzigartig und gleichzeitig furchteinflößend. Was ich besonders spannend fand: Die Crowd bei Unreleased ist besonders unterstützend und respektvoll. Fehler werden gefeiert – als Teil der Live-Erfahrung. Kiki erzählt, dass gerade diese familiäre Atmosphäre ihr geholfen hat, Türen zu öffnen und eine echte Verbindung zu den Zuhörer:innen aufzubauen. Mittlerweile war ich selbst beim Unreleased-Festival und bei der Oktober-Ausgabe und kann bestätigen, die Crowd feiert die Artists, selbst, wenn die Performance noch ausbaufähig ist - und manche Acts schaffen es dann das Publikum mit viel Energie und einer starken Präsenz besonders zu packen. (Zuletzt Rubi, Soyhan & Vega mit einem der berührendsten Texte, die ich seit langem gehört habe.) Tipp Hier findet ihr die Unreleased Berlin-Playlist:

Warum funktioniert Unreleased so gut?

Das Team sieht die Rolle nicht nur als Veranstalter, sondern als Kuratoren und Förderer neuer Talente. Sie wählen bewusst Artists aus, die noch nicht im Rampenlicht stehen oder sogar noch gar keine Songs draußen haben. Außerdem ist das Konzept geheimnisvoll, die Acts sind „Secret Acts“, was die Neugier steigert. Die Crowd hat deshalb den Fokus aufs Entdecken, nicht aufs Selfie-Machen. Wobei ein paar Leute im Publikum durchweg geredet haben, sodass Fede, Waumi und Memo nochmal dazu aufrufen mussten, bitte während der Auftritte auf die Unterhaltungen zu verzichten. Ich selbst hab dann auch nochmal zwei Männer direkt angesprochen und gesagt, dass sie extrem laut sind. Fight the lauter!

Kein Platz für große Ego-Shows

Unreleased setzt bewusst auf Gleichberechtigung der Künstler:innen: Alle bekommen ihre Chance mit zwei Songs, damit keiner die Show dominiert. Und: Die Reihe ist keine Litfaßsäule für Marken, sondern ein Herzensprojekt, das bislang wächst, ohne den Fokus zu verlieren.

Je größer die Location, desto wichtiger ist es, das besondere Gefühl von Intimität und Aufmerksamkeit zu bewahren. Handys verbannen, das Publikum auf den Moment einstimmen und ein Awareness-Team vor Ort sorgen für den nötigen respektvollen Rahmen. So bleibt Unreleased ein Raum des Respekts und der Musikliebe, auch wenn das Format inzwischen im Festsaal Kreuzberg Platz für 1.200 Besucher:innen anbietet!

Konkrete Tipps für Newcomer

• Authentizität ist alles: Versuche nicht, jemand anderes zu imitieren, sondern stehe zu deinen Ecken und Kanten. Das bemerkt das Publikum sofort.

• Routine üben: Zwei Songs aus dem perfekt drauf haben, gerade wenn es der erste Gig ist. Vorbereitung ist der Schlüssel.

• Live Spaß haben: Locker bleiben, die Crowd mit kleinen Moves auf der Bühne einbinden – z.B. auf eine Bühne-Erhöhung gehen, nicht den Rücken zukehren.

• Promotion ernst nehmen: Nicht nur im Studio Musik machen, sondern auch ständig nach draußen tragen, über Social Media, Guerilla-Marketing oder Live-Auftritte.

Mein Key Takeaway für euch:

Egal, ob du selbst Musik machst, in einer Band spielst oder einfach ein Konzertgänger bist: Authentizität und das echte Erlebnis zählen mehr als Likes und Follower. Unreleased zeigt, wie man mit kreativen Formaten die Musikszene neu beleben kann. Für alle Newcomer: Macht eure Hausaufgaben, bleibt euch treu und sucht euch Orte, die euch wirklich zuhören und fördern.

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ThemaTakt - überall wo's Podcasts gibt!

Wenn dich das Thema Unreleased und der ganze Spirit dahinter interessiert, hör unbedingt in meine aktuelle Folge rein! Ich spreche mit den Köpfen hinter dem Format und Kiki, die tolle Einblicke geben, wie dieser besondere Konzertabend funktioniert. Außerdem gibt es handfeste Tipps für Newcomer, die den Sprung auf die Bühne wagen wollen.

Vielen Dank fürs Lesen und bis bald! (Vielleicht morgen beim nächsten ThemaTakt-Live-Podcast auf der Most Wanted:Music Berlin - da moderiere ich mit Yannick Niang ein Panel zum Thema “Allyship im Musikbusiness”.)

Tobias Wilinski (ThemaTakt-Host & Producer)

„Wenn ich Platz schaffe, dann ist noch hinter mir Platz – ich will winken, dass auch andere mitkommen.“

Désirée Vach (General Manager GSA bei FUGA)

Gemeinsam statt gegeneinander: das ist das Motto dieser Folge. Ich habe in den letzten Wochen auch die Erfahrung gemacht, wie gemeinsam tolle Projekte entstehen können: Das war auf dem Pop-Kultur-Festival, wo ich mit den Gründern von Unreleased Berlin und der Künstlerin Kiki meinen ersten Live-Podcast aufnehmen durfte (hört ihr bald). Und auf der Music Frontiers-Konferenz, wo ich das erste Mal auf Englisch ein Panel moderiert habe, das gleichzeitig ein ThemaTakt-Live-Podcast war (hört ihr auch bald, aber etwas später). Ein Kompliment an die Veranstalter und Dank an die Panel-Teilnehmer:innen, ohne die der Live-Podcast gar nicht möglich gewesen wäre. Auch hier stand Gemeinschaft im Mittelpunkt. Das nächste Mal könnt ihr mich übrigens am 03. & 04.10. Live auf der Producer-Konferenz Beatcon sehen - dann gleich in 2 Talks! Zurück zum ThemaTakt-Interview mit Désirée. In diesem Artikel findet ihr ein paar Learnings aus der Folge, aber natürlich kann ich euch nur empfehlen: Hört die Folge überall wo’s Podcasts gibt!

1. Musiker:innen brauchen ein starkes Team – keiner schafft es allein

Wenn du in der Musikbranche durchstarten willst, ist das eine der wichtigsten Erkenntnisse aus dem Gespräch mit Désirée: Niemand erreicht langfristigen Erfolg alleine. Egal, ob du ein eigenes Label führst oder als Artist agierst – umgeben dich mit Menschen, die dich unterstützen, die dein Business mitdenken und – vor allem – mit denen du Ideen austauschen kannst.

Désirée erzählt, dass gerade im Frühstadium viele Artists mit einem kleinen DIY-Setup unterwegs sind. Was hilft? Ein gutes Team oder zumindest ein Sparring-Partner, der dir ehrliches Feedback gibt. Das kann im Musikbusiness den Unterschied machen: „Je mehr Sichtweisen am Tisch sind, umso besser“, meint Désirée. Gerade bei der komplexen Herausforderung, sich auf Streaming-Plattformen zu positionieren und gleichzeitig starke Live-Shows zu managen, ist dieses Team wichtig.

Praktische Tipps:

• Such dir Menschen, die deine Leidenschaft teilen, aber auch den Abstand haben, dir ehrlich Feedback zu geben.

• Netzwerk-Events sind nicht nur zum Kontakteknüpfen da – sie sind auch enorm hilfreich, um Wissen zu tanken und gemeinsam Lösungen zu finden.

• Hab keine Angst, Dinge auszuprobieren und lerne dabei, was bei dir und deinen Musikprojekten funktioniert.

2. Die Relevanz von Streaming

Ein weiteres zentrales Thema in der Folge: die Digitalisierung und die Rolle von Streaming. Als Désirée vor über zehn Jahren ihr eigenes Label betrieben hat, war Streaming noch eine neue, fast mysteriöse Technologie. Heute ist sie längst der zentrale Vertriebskanal für Musik. Das zeigte sich auch an ihrer Zeit bei The Orchard und später bei Fuga, wo sie Labels und Artists durch den digitalen Markt begleitet.

Interessant ist Désirées Haltung zum Wandel: Sie spricht offen darüber, wie Menschen oft erst skeptisch reagieren, wenn etwas Neues kommt – das sogenannte Pushback-Phänomen. Statt sich zu verschließen, hat sie sich entschieden, offen zu bleiben und Innovationen zu begrüßen. Und das zahlt sich aus! Für dein eigenes Business heißt das: Sei neugierig, probiere neue Kanäle aus und setze Streaming klug ein – natürlich immer in Absprache mit allen Beteiligten.

Konkrete Tipps:

• Vertraue darauf, dass Streaming auch für dich Chancen bietet, deinen Sound zu verbreiten.

• Nutze Channel- und Playlist-Pitching aktiv, um Reichweiten aufzubauen.

• Bleibe offen gegenüber neuen Technologien wie KI – auch wenn der Einfluss aktuell noch moderat ist, wird sich das künftig ändern.

3. Diversität und Gleichberechtigung sind Pflicht

Eines der intensivsten Gesprächsthemen mit Désirée ist ihr langjähriges Engagement für Frauen*, LGBTQIA+ und BPoC in der Musikindustrie. Sie ist Mitgründerin von Music Industry Women, einem Netzwerk, das seit 2015 für mehr Sichtbarkeit und Förderung von unterrepräsentierten Gruppen kämpft. Das Problem: Trotz des Einsatzes hat sich laut Désirée die Situation in zehn Jahren nicht grundlegend verbessert. Warum? Weil immer wieder Rückschläge kommen und der Wandel mühsam ist.

Was Désirée besonders wichtig ist: Es braucht mehr Frauen* in Führungspositionen, und dafür ist eine Quote sinnvoll – unter der Prämisse, dass die nötige Kompetenz vorhanden ist. Zudem betont sie, wie entscheidend es ist, sich gegenseitig zu unterstützen und sich nicht als Konkurrenz zu sehen. Denn erst gemeinsam lassen sich strukturelle Barrieren überwinden, die die Branche immer noch durchziehen.

4. Netzwerken ist so viel mehr als nur Kontakte sammeln

Netzwerkarbeit ist essenziell für deinen Erfolg – klingt abgedroschen, ist aber so. Sie beschreibt Netzwerken weniger als klassisches Visitenkarten-Sammeln, sondern als Austausch von Wissen und gegenseitiger Unterstützung.

Besonders am Anfang im Musikbusiness stößt du oft an Grenzen, die du alleine schwer überwindest. Doch wer sich mit anderen vernetzt, bekommt Zugang zu Erfahrungen, die einem das Learning-by-Doing erleichtern.

Konkrete Tipps:

• Nimm dir vor, bei jeder Veranstaltung einen echten Dialog zu führen.

• Hab keine Angst davor, dich auch als introvertierter Mensch in kleine Gruppen zu trauen – der erste Schritt ist immer der schwerste.

• Überlege dir, wie du anderen aktiv helfen kannst – so baust du nachhaltige Beziehungen auf.

5. Leidenschaft verbindet – aber nüchternes Business entscheidet

Désirée erzählt im ThemaTakt-Podcast von ihrer Zeit als Label-Ownerin mit bis zu 12 Mitarbeiter:innen – ein Balanceakt zwischen Leidenschaft für Musik und den harten Zahlen hinter dem Business. Sie berichtet offen von Druck, Existenzängsten und sogar davon, dass sie sich manchmal von ihrer Mutter Geld leihen musste. Ein Learning daraus: Man darf sich nicht blind vom Enthusiasmus leiten lassen, sondern sollte auch das Business nüchtern betrachten.

Für sie hat sich der Wechsel in die Vertriebsarbeit als ein großer Schritt herausgestellt. Hier zählen Zahlen, Strategie und klare Entscheidungen, allerdings trifft das bei Désirée nie auf Abstriche bei der Begeisterung für Musik. Diese Kombination macht ihr Geschäft erfolgreich. Und für dich heißt das: Leidenschaft ist wichtig, aber mach dir auch ein solides Business-Setup. Kenne deine Zahlen, analysiere deine Erfolge realistisch und gib dabei nicht die Freude an deiner Musik auf.

Praxis-Tipps:

• Entwickle ein Grundverständnis für Finanzplanung und Marketingkennzahlen.

• Scheue dich nicht vor Learning by Doing – Fehler gehören dazu.

• Versuche, Emotionen für deine Entscheidungen zu nutzen – aber nie als alleiniges Kriterium.

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3. Folg dem ThemaTakt-Podcast und bewerte ihn

ThemaTakt - überall wo's Podcasts gibt!

Ich hoffe, dass dir diese fünf Learnings wertvolle Inspiration für deine eigene Karriere im Musikbusiness geben. Egal ob du als Artist, Labelgründer:in, Manager:in oder in einem anderen Job dabei bist: Teamgeist, Offenheit für Digitalisierung, Einsatz für Diversität, echte Netzwerke und Balance zwischen Herz und Verstand sind entscheidend.

Mich hat das Interview besonders gepackt, weil Désirée so offen über Herausforderungen, Druck, Frustration und Freude bei der Arbeit spricht. Ohne dabei die Menschen aus den Augen zu verlieren. Ich kann dir empfehlen, die ganze Folge anzuhören, um noch mehr spannende Insider-Tipps zu bekommen. Bleib hungrig, offen und vernetzt – dein Weg in der Musikindustrie wird es dir danken!

Vielen Dank fürs Lesen und bis bald!

Tobias Wilinski

“Seid euch nicht zu schade, mit eurer Kunst an den Menschen zu treten. Schämt euch nicht. Klopft an Türen, putzt die Türklinken und geht Leuten auf die Nerven.”

Yannick Niang (Musikjournalist & DJ)

Was für Artists gilt, das gilt im weitesten Sinne auch für Journalisten:innen. Ob man ein YouTube-Video macht, ein Insta-Reel veröffentlicht oder einen Podcast aufnimmt, man möchte gesehen und gehört werden. Das schafft man natürlich nur mit sehr viel Ehrgeiz, indem man lange dran bleibt und indem man Mechanismen und Technik oder Techniken versteht - oder zumindest die Leute im Team hat, die sich damit auskennen. Um all diese Punkte geht es im ThemaTakt-Interview mit Yannick Niang. Das könnt ihr jetzt als Zweiteiler hören. Und hier könnt ihr ein paar Learnings lesen:

1. Die eigene Plattform: Warum du dein Sprachrohr brauchst

Yannick bringt es auf den Punkt: Wer im Musikjournalismus oder generell als Kreative:r arbeitet, sollte sich eine eigene Plattform schaffen. Dabei geht es nicht um Selbstdarstellung, sondern um den Wunsch, etwas zu erschaffen und unabhängig von Gatekeepern und Institutionen die eigenen Themen, Interessen und Perspektiven sichtbar zu machen. Die eigene Plattform ermöglicht es, unabhängig zu bleiben und selbst zu bestimmen, welche Inhalte relevant sind. Ob Gaming, Musik oder gesellschaftliche Themen – du kannst alles abdecken, was dich interessiert, und dabei authentisch bleiben. Es ist dein Raum, in dem du dich ausprobieren, Fehler machen und daran wachsen kannst.

Der Einstieg muss nicht perfekt sein. Yannick erzählt, dass auch die ersten Folgen seines Podcasts „Gang Gang“ alles andere als ausgereift waren – aber sie waren ein wichtiger Schritt für seine Entwicklung. Es lohnt sich, einfach loszulegen, einen eigenen Podcast, Blog oder YouTube-Kanal zu starten, auch wenn es anfangs chaotisch wirkt. Nutze Social Media, um deine Inhalte zu verbreiten, aber lass dich nicht vom Algorithmus stressen. Vernetze dich mit anderen Kreativen, um Synergien zu schaffen und gemeinsam Reichweite aufzubauen. Warte nicht auf den perfekten Moment oder das perfekte Equipment – fang an, lerne unterwegs und hab Spaß dabei.

2. Mit Kritik, Cancel-Culture & Selbstzweifeln umgehen

Sichtbarkeit bringt zwangsläufig Feedback mit sich – und das ist nicht immer angenehm. Yannick spricht offen über seine Erfahrungen mit Kritik, Cancel Culture und dem berühmten Impostor-Syndrom. Wichtig ist, konstruktive Kritik anzunehmen, solange sie nicht beleidigend oder rassistisch ist, denn sie hilft dir, dich weiterzuentwickeln. Gleichzeitig ist Selbstreflexion gefragt: Überlege ehrlich, was an der Kritik dran ist und was du getrost ignorieren kannst. Es hilft, ehrliches Feedback von Kolleg:innen oder Freund:innen einzuholen, um die eigene Wahrnehmung zu justieren.

Gerade viele marginalisierte Menschen fragen sich, ob sie nur wegen ihrer Hautfarbe, ihres Geschlechts oder anderer Merkmale gebucht werden. Yannick betont, dass am Ende zählt, dass du deine Miete zahlen kannst und deinen Job gut machst. Führe vielleicht ein „Kritik-Tagebuch“, in dem du festhältst, welche Rückmeldungen dich weitergebracht haben und welche du vergessen kannst. Sprich offen mit anderen über Selbstzweifel – du bist nicht allein! Setze dir außerdem klare Grenzen: Nicht jede Diskussion im Netz musst du führen.

3. Tokenismus: Zwischen Repräsentation und Instrumentalisierung

Tokenismus ist ein zentrales Thema im Podcast – und ein echtes Minenfeld. Yannick beschreibt, wie marginalisierte Personen oft als „Aushängeschild“ für Diversität herhalten müssen, ohne dass sich an den Strukturen wirklich etwas ändert. Tokenismus erkennst du daran, dass du nicht wegen deiner Fähigkeiten, sondern wegen deines „Looks“ gebucht wirst. Oft werden Kampagnen zu Pride Month, Black History Month & Co. für Marketingzwecke ausgeschlachtet, ohne dass echte Veränderung stattfindet. Die Zusammenarbeit fühlt sich dann gezwungen oder inszeniert an.

Um dem zu begegnen, empfiehlt Yannick, klar zu kommunizieren und nachzufragen, warum du für ein Projekt angefragt wirst und was der Mehrwert für beide Seiten ist. Es ist wichtig, auch mal „Nein“ zu sagen, wenn du dich instrumentalisiert fühlst. Wenn du selbst Projekte leitest, achte darauf, Diversität wirklich zu leben und nicht nur zu zeigen – es geht nicht um Quoten, sondern um echte Vielfalt. Diversität sollte keine Checkliste sein, sondern eine Chance, verschiedene Perspektiven einzubinden. Und: Sprich offen über das Thema, auch wenn es unangenehm ist.

4. Künstlerförderung: Empathie schlägt Algorithmus

Yannick arbeitet als Scout für den Universal Music-Vertrieb Chapter ONE und gibt spannende Einblicke in die Arbeit hinter die Kulissen. Sein Ansatz ist es, Musik nicht einfach in „gut“ oder „schlecht“ einzuteilen, sondern das Potenzial und die Vision der Künstler:innen zu erkennen. Ein guter Scout oder Musikjournalist zeichnet sich durch Empathie aus: Versetze dich in die Künstler*innen hinein, versuche zu verstehen, was sie antreibt und was ihre Vision ist. Offenheit ist gefragt – hör nicht nur auf Zahlen und Reichweiten, sondern gib auch dem „Underdog“ eine Chance. Statt Musik vorschnell zu bewerten, beschreibe lieber, was sie mit dir macht. Nicht jeder Hit ist ein One-Hit-Wonder – manchmal ist es der „Grower“, der bleibt.

5. Burnout, Umwege & Neustart: Warum ein sicherer Job kein Rückschritt ist

Yannick spricht offen über seine Zeit bei Diffus, die ihn an seine Grenzen gebracht hat. Nach dem Ausstieg ist er im Einzelhandel gestartet, um finanziell abgesichert zu sein. Finanzielle Sicherheit gibt dir die Freiheit, kreativer zu arbeiten, weil du nicht jeden Monat Existenzängste haben musst. Umwege sind normal, niemand hat eine „gerade“ Karriere. Jeder Job bringt neue Fähigkeiten und Perspektiven mit sich. Selbstfürsorge ist wichtig, denn Burnout ist real. Achte auf dich und zieh rechtzeitig die Reißleine.

Überlege dir, wie du deine Fixkosten decken kannst, ohne dich komplett zu verausgaben. Plane kreative Projekte so, dass sie dich nicht auffressen. Sprich offen über Überforderung – auch mit Kolleg:innen. Und denk daran: Auch Beyoncé hat mal im Friseursalon ihrer Mutter ausgeholfen. Und die ist heute Queen B!

6. Sichtbarkeit, Mut & Community: Geh raus mit deiner Kunst!

Yannick appelliert an alle Künstler:innen und Kreativen: Habt keine Angst, euch zu zeigen! Viele unterschätzen, wie groß die Hilfsbereitschaft und das Interesse anderer sind. Geh aktiv auf Leute zu, schick deine Musik, deine Texte, deine Ideen raus. Nicht jeder Song wird sofort ein Hit, manchmal braucht es mehrere Anläufe. Baue dir eine Community auf, vernetze dich mit anderen, unterstütze sie – und lass dich auch selbst unterstützen.

Setze dir kleine Ziele, zum Beispiel einen Song pro Monat, einen Post pro Woche oder ein neues Netzwerkgespräch pro Quartal. Feiere kleine Erfolge und lerne aus Rückschlägen. Teile deine Erfahrungen offen, um anderen Mut zu machen. Und nimm dir Yannick Niangs Motto zu Herzen: „Wenn du etwas fühlst, mach es einfach!“

7. Zukunft der Musikbranche: Mehr Menschlichkeit, weniger Aufmerksamkeitsjagd

Zum Schluss wünscht sich Yannick für die Musikbranche mehr Menschlichkeit und echte Begeisterung für Kunst – statt einer toxischen Aufmerksamkeitsökonomie. Das bedeutet für dich: Setze auf Qualität statt Quantität, lieber ein gutes Projekt als zehn halbgare. Pflege echte Beziehungen zu Fans und Kolleg:innen, denn Social Media ist kein Ersatz für echte Gespräche. Bleib neugierig und offen – die Branche verändert sich ständig, und das ist auch gut so.

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3. Folg dem ThemaTakt-Podcast und bewerte ihn

ThemaTakt - überall wo's Podcasts gibt!

Ich habe sehr viel von Yannick gelernt und er wird wahrscheinlich nicht das letzte Mal zu Gast im ThemaTakt-Podcast sein. Folg ihm auf TikTok, um sein Projekt “A Track a Day” zu supporten. Und noch etwas Werbung und ein besonderes Announcement über das ich mich sehr freue:

1. ThemaTakt-Live-Podcast auf dem Pop-Kultur-Festival

Mit den drei Gründern der Veranstaltungsreihe Unreleased Berlin spreche ich über Entstehungsgeschichte, Konzept & Learnings.

Wann: am 25.08.2025 von 19h20 - 20h20

Wo: Im Silent Green Berlin (Kuppelhalle)

Preis: Ca. 12 Euro für den Tagespass (dafür kannst du dir alle Talks an dem Tag schauen)

Wenn du gerne kommen würdest, aber es dir gerade nicht leisten kannst, antworte auf die Newsletter-Mail oder schreib an info@thematakt.de

Vielen Dank fürs Lesen und bis bald!

Tobias Wilinski

“Hauptsache man ist in irgendeiner Form kreativ. Wenn man sich dazu diszipliniert, immer kreativ zu sein, dann ist das so wie ein Muskel, den man trainiert.”

Takt32 (Rapper & Songwriter)

Finanzielle Sicherheit als Kreativschub

Ein bedeutender Wendepunkt in Takt32s Karriere war seine Unabhängigkeit dank eines Verlagsdeals, der ihm finanziellen Rückenwind gab. Bekommen hat er ihn von Kool Savas - den er auch später als Backup-Rapper begleiten sollte. Diese Sicherheit erlaubte es ihm, sich voll und ganz auf seine Musik zu konzentrieren, ohne dem Druck nachgeben zu müssen, einen Hit zu landen. Die finanzielle Unabhängigkeit förderte seine künstlerische Freiheit und eröffnete Möglichkeiten, Musik zu gestalten, die seinen persönlichen Vorstellungen entsprach, anstatt dem Zeitgeist des Mainstreams zu folgen.

Lernen von den Besten: Live-Performance

Live-Auftritte sind für viele Künstler:innen ein maßgeblicher Bestandteil der Karriereentwicklung. Takt32 lernte von Kollegen wie Savas, dass es wichtig ist, das Publikum von Anfang an mit Energie und Präsenz zu fesseln. Die Auftritte auf großen Bühnen boten ihm die Möglichkeit, seine Live-Performance in Perfektion zu üben und weiter zu entwickeln, was seine Fähigkeit stärkte, auch bei weniger interessierten Zuschauern eine Verbindung herzustellen und bleibende Eindrücke zu hinterlassen.

Die richtige Zusammenarbeit und Netzwerke

Erfolg im Musikbusiness ist häufig das Ergebnis der richtigen Partnerschaften und Netzwerke. Takt32 betont die Wichtigkeit, mit Menschen zusammenzuarbeiten, die seine kreative Vision teilen und bereichern. Das Finden von Management und Produzenten, die sowohl professionell als auch persönlich harmonisieren, ist entscheidend für eine nachhaltige Karriere. Diese wichtigen Beziehungen fördern nicht nur die musikalische Entwicklung, sondern sie sichern auch den finanziellen und logistischen Support, der für Wachstum nötig ist.

Die Bedeutung von Konzertauftritten

Für Fabian und den Künstler Mo-Torres liegt der Fokus nicht nur auf digitalen Verkäufen, sondern auch stark auf Live-Auftritten. Diese haben sich als kraftvolles Instrument zur Stärkung der künstlerischen Reichweite und Bindung der Fangemeinde erwiesen. Trotz der Herausforderung durch die Pandemie mit abgesagten Konzerten nutzten sie innovative Konzepte wie Autokonzerte, um weiterhin in Kontakt mit ihren Fans zu bleiben und die Marke zu festigen.

Einfluss von Songwriting auf die Karriere

Songwriting ist eine Inspirations- und Einkommensquelle zugleich. Takt32 entwickelte durch routiniertes Schaffen seine Fähigkeiten in der Songstrukturierung, was ihm half, mit einer Vielzahl von Künstlern zusammenzuarbeiten. Diese interdisziplinäre Tätigkeit erweiterte sein Repertoire und bot Möglichkeiten, kreative Ansätze für verschiedene Musikstile zu entwickeln. Songwriting wurde so auch zu einem stabilen Standbein und einer kreativen Herausforderung, die ihm finanzielle Unabhängigkeit und künstlerische Flexibilität gewährte.

Veröffentlichungstrategie geglückt

Eine bewusste Veröffentlichungsstrategie ist im heutigen Musikmarkt unerlässlich. Takt32 erklärt, wie er unabhängig von traditionellen Plattenlabels Methoden entwickelt hat, um seine Musik effektiv zu veröffentlichen. Mehrere Singles, anstatt eines einzigen Album-Releases, ermöglichen eine konstante Präsenz in Playlists und Streaming-Plattformen, was zu einer längeren Haltbarkeit und gesteigerten Hörerschaft führt. Diese Strategie ermöglicht es auch, die künstlerische Vision durch ergänzende visuelle Inhalte zu verstärken. Auch, wenn manche Leute in Alben keine Zukunft sehen, ist Takt32 Album-Liebhaber und ins Konzept-Album “Den Umständen widersprechend” hat er viel Herzblut hineingesteckt. Das Ergebnis: Platz 4 in den Album-Charts! (Mit dem Vorgänger-Album ging’s nur auf die 23 - aber wie er im Interview sagt: Charts sind egal! Trotzdem: Glückwunsch!)

Besondere Moves bei der Veröffentlichung:

• Musikvideos zu 7 Album-Songs

• Eigene Video-Interview-Reihe auf YouTube mit bislang 5 Episoden

• Release-Konzerte in Köln, Berlin und Frankfurt mit Ticket-Bundle (also Ticket-Kauf in Verbindung mit gekaufter CD)

• Viele Interviews (das Beste findet ihr hier)

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Tobias Wilinski

PS: Gerade ist Amazon Prime Day. Bevor ihr euch vorschnell ein angebliches Angebot sichert, das gar keins ist, checkt bei z. B. Idealo den Preisverlauf der letzten Monate. Falls ihr euch was gönnen wollt, nutzt gerne meinen Amazon-Affiliate Link.

“Ich möchte eines Tages zurückblicken und sagen können: ‘Ich hab jemanden gefunden, der so einen Einfluss hat, wie ein Ed Sheeran oder eine Adele.’”

Steph Karl (Label-Managerin & Moderatorin)

HipHop-Liebe schon in Nairobi

Steph Karl wurde in Nairobi, Kenia, geboren. Ihre ersten musikalischen Einflüsse kamen aus der lokalen Rap-Szene wie beispielsweise der kenianische Rapper Issah „E-Sir“ Mmari Wangui. Steph berichtet, dass ihre Jugend von einem Mix aus lokalen und internationalen Einflüssen geprägt war, wobei die amerikanische HipHop-Kultur stark präsent war.

Herausforderungen bei der Ankunft in Deutschland

Mit 13 Jahren zog Steph nach Ludwigshafen in Deutschland: Kulturschock. Das Klima, die Klassengröße und die neue Gesellschaftsstruktur stellten sie vor Herausforderungen. Trotz der Umstände gelang es ihr, durch ihre Leidenschaft für Musik und ihre Fähigkeit, Gemeinschaften zu finden, in ihrem neuen Umfeld Fuß zu fassen. Diese Erlebnisse halfen, ihre Resilienz und ihren Antrieb zu formen.

Musik als Lebensader

Musik war immer ein zentraler Punkt in Stephs Leben. Als Teenager nutzte sie LimeWire, um neue Musik herunterzuladen und mit Gleichgesinnten zu teilen. In einem Umfeld, in dem HipHop-Musik oft mit Vorurteilen behaftet war, fand sie in der Musik eine Möglichkeit, Brücken zu anderen zu schlagen und ihre eigene Identität zu festigen. Diese Verbindungen halfen ihr, eine Gemeinschaft von HipHop-Enthusiasten zu finden, die ihr den Weg in die deutsche Musikszene ebneten.

Berlin und der Beginn ihrer Karriere

Nach dem Umzug nach Berlin eröffnete sich für Steph eine neue Welt voller Möglichkeiten. Die lebendige Musikszene der Stadt ermöglichte ihr, sich weiterzuentwickeln und wurde zu ihrer Drehscheibe für Networking. Neben dem Studium der Kunstgeschichte begann sie, sich intensiver mit dem Musikgeschäft auseinanderzusetzen. Berlin bot ihr nicht nur die Chance, neue Kontakte zu knüpfen, sondern auch, ihre eigene Nische im Musikbusiness zu finden.

Eintauchen ins Musikbusiness

Stephs Zeit bei Streetlife und später Universal Music markierte ihren Einstieg ins professionelle Musikbusiness. In diesen Rollen konnte sie viele Aspekte der Branche kennenlernen, von den Herausforderungen des Artist-Managements bis hin zur Umsetzung von Marketingstrategien. Diese Positionen boten ihr die Möglichkeit, mit Künstlern zu arbeiten, die sie inspirierten und ihr Verständnis des Geschäfts von Grund auf zu vertiefen.

Der Sprung zur Moderatorin

Vermittelt durch die Kontakte aus ihrer Szene, fand Steph ihren Weg in den Musikjournalismus, eine Rolle, die perfekt zu ihrer Liebe zur Entdeckung neuer Künstler und Sounds passte. Ihr erster großer Durchbruch kam mit einem Interview mit dem damals aufstrebenden Rapper Lil Yachty. Dieses Interview stellte nicht nur die Weichen für ihre zukünftige Karriere als Moderatorin, sondern zeigte auch, wie sehr ihre Kenntnisse der Szene und ihre Fähigkeit, schnell Beziehungen aufzubauen, ihre journalistische Arbeit bereicherten.

Der große Traum: Künstler entdecken wie Ed Sheeran

Steph Karl träumt davon, eines Tages einen Künstler:innen zu entdecken, die einen globalen Einfluss haben wie Ed Sheeran oder Adele. Dabei geht es ihr nicht nur um den kommerziellen Erfolg, sondern um die Möglichkeit, Musik zu fördern, die die Welt bewegt. Steph schildert, wie sie von ihren Erfahrungen mit HeyStephTV inspiriert wurde, um ein Label zu schaffen, das mehr als nur Musik produziert. Sie strebt danach, Künstler zu fördern, die in ihren Songs bedeutungsvolle Geschichten erzählen können und die Hörer weltweit berühren.

Ein Safe Space für Vielfalt in der Musikindustrie

Steph möchte ein Musiklabel erschaffen, wo Vielfalt nicht nur akzeptiert, sondern gefeiert wird. Ihre Vision ist es, ein Arbeitsumfeld zu schaffen, in dem Hautfarbe, Herkunft oder Sexualität keine Barrieren darstellen. Mitarbeiter auf ihrem Label sollten aufgrund ihrer Fähigkeiten und nicht äußerer Merkmale eingestellt werden. In ihren Augen muss ein Musiklabel heute mehr leisten, als nur Künstler zu managen. Es sollte ein gesellschaftliches Statement setzen und aktiv für Inklusivität stehen.

Einblick in die herausfordernde Musikbranche

Steph setzt auf Ehrlichkeit, wenn es um die realen Herausforderungen der Musikindustrie geht. Sie beschreibt das Arbeitsumfeld bei 16bars als toxisch, aber auch als formende Erfahrung, die ihr geholfen hat, ihre Karriere neu auszurichten. Diese Erkenntnisse lehrten sie, wie man ein Unternehmen nicht führen sollte. Trotz der Schwierigkeiten betont sie die Bedeutung starker zwischenmenschlicher Beziehungen und kollegialer Unterstützung im Arbeitsumfeld. Sie hat seitdem gelernt, wie wichtig es ist, ein unterstützendes Team um sich zu haben, das die Leidenschaft und die Vision teilt, die sie für die Musik hat.

Die Balance zwischen Arbeit und persönlichem Leben

Steph Karl diskutiert offen die Herausforderungen, Berufs- und Privatleben in Einklang zu bringen und wie sie als Workaholic in der Musikindustrie funktioniert. Obwohl sie die immense Leidenschaft für ihre Arbeit betont, erkennt sie auch die Bedeutung einer ausgewogenen persönlichen Lebensplanung. Insbesondere was die künftige Familienplanung angeht. Steph möchte nämlich gerne Babies haben. Diese Balance zu finden, in einer fordernden Branche, ist für sie ebenso ein wichtiger Teil ihrer Lebensreise und ihrer Definition von Erfolg.

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Unterschreibt für Cosmo:

Der vielfältige Radio-Sender der ARD Cosmo ist in Gefahr. Und damit möglicherweise auch viele wertvolle Produktionen (Shoutout Machiavelli!). Nehmt euch bitte kurz eine Minute und unterschreibt die Petition.

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Tobias Wilinski

“Wie soll ich irgendwann nicht mehr stolz auf diesen Song sein? (…) Da wird es nicht die Streaming-Zahl geben, die mich innerlich bricht.”

Mauli (Musiker/Producer/Podcaster)

Musik als persönlicher Meilenstein

Qualität ist nicht gleich Aufmerksamkeit das ist eine der Kernbotschaften. Mauli erzählt, dass gerade die Songs, auf die er besonders stolz ist, bei Spotify oft unter dem Radar bleiben. Besonders sein Song „Unsichtbar“ liegt ihm am Herzen. Für ihn ist das kein reiner Track, sondern ein persönlicher Meilenstein – unabhängig von Klickzahlen. „Ich will den mal mit Orchester auf einer großen Bühne spielen“, sagt er. Es geht um Gefühl, nicht um Statistik.

Vater sein, Künstler bleiben

Seit der Geburt seiner Tochter Ende 2019 hat sich bei Mauli einiges verändert. Sein Alltag ist strukturierter, der Blick aufs Leben ein anderer – und das spiegelt sich auch in seiner Musik wider. Die Musik bekommt so eine neue Tiefe – und Verantwortung.

“Cinepop”-Album & der Streaming-Kampf

Sein aktuelles Album „Cinepop“ ist ambitioniert, emotional, künstlerisch komplex – und wird trotzdem weniger gehört als frühere Projekte. Das liegt für Mauli nicht unbedingt an der Musik, sondern daran, wie schwer es geworden ist, Aufmerksamkeit im Netz zu bekommen. Im digitalen Zeitalter reicht es eben nicht mehr, gute Songs zu machen – man muss sie auch sichtbar machen.

Zusammenarbeit statt Ego-Trip

Mauli setzt stark auf kreative Partnerschaften. Ob mit Mine, Tua oder Produzent Tony Agostino – für ihn sind Kollaborationen ein Weg, den eigenen Sound weiterzuentwickeln. „Man wächst, wenn man mit anderen arbeitet“, meint er. Musik ist für ihn Teamarbeit, kein Sololauf.

Musiktheorie, Disney-Soundtracks & eigene Regeln

Mauli hat ein Faible für Musiktheorie. Zuhause stehen Klavier und Synthesizer, und wenn es um Sound geht, schwärmt er auch mal von Disney-Filmmusik. Warum? Weil sie komplex ist, aber trotzdem eingängig bleibt – genau das reizt ihn auch an der eigenen Arbeit.

Kunst vs. Kommerz – der tägliche Spagat

Mauli spricht offen über den Spagat zwischen künstlerischer Freiheit und wirtschaftlichen Erwartungen. Labels wollen Klicks, Social-Media-Zahlen und Reichweite – aber Mauli ist nur zufrieden mit Musik, die er selbst fühlt. Kompromisse macht er nicht.

Hoffnung für die Musik von morgen

Zum Schluss spricht Mauli über seine Vision einer faireren Musikindustrie. Er ermutigt junge Artists, unabhängig zu bleiben, ihre Rechte zu kennen und selbst die Kontrolle über ihre Musik zu behalten. Das Netz bietet genug Möglichkeiten – man muss sie nur nutzen.

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Maulis Einnahmen:

1. (Katalog-)Streams

2. Auftritte

3. Merch

4. Songwriting

5. Podcasting (in Zukunft)

Wie er sich musikalisch verbessert

• viel Musik hören

• Die Instrumente, die man zu Hause hat regelmäßig benutzen

• Sich selbst entertaine, und nicht immer die selben drei Songs spielen

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Tobias Wilinski

“Wenn man sagt ‘Ich bin Künstler:in und ich möchte die Spitze erreichen’, dann sind wir die Company mit der man am höchsten die Wahrscheinlichkeit hat, diese Spitze zu erreichen.”

Leander Kirschner (CEO Bamboo Artists)

Der Weg in die Musikindustrie

Von der Musikindustrie in die Tech-Welt und zurück in die Musikindustrie. Leander Kirschner hat 2012 also vor fast 13 Jahren, sein erstes Musik Label gegründet Dezi-Belle. 2016 hat er dann bei Nesola gearbeitet ein Label, das zur Universal Music Group gehörte. Da haben er und ich auch das erste Mal Kontakt gehabt, zum Beispiel als es um Megaloh und sein Projekt BSMG ging. Anschließend ist er dann in die Tech-Welt gegangen. Er war bei Uber, dreimal bei Spotify und bei Amazon. Dort hat er 2021 gekündigt, um sein neues Label zu gründen: Bamboo Artists. Er hat viel Zeit und Geld investiert, konnte aber auch ziemlich große Erfolge feiern. Unter anderem mit 01099, Ski Aggu und Zartmann.

Ein entschlossener Start in jungen Jahren

Leander Kirschner zeigt, wie wichtig Entschlossenheit und Ausdauer sind. Schon mit 16 zog er von zu Hause aus, um seinen eigenen Weg zu gehen, und gründete mit nur 19 Jahren sein erstes Label Dezi-Belle. Diese Erfahrungen formten seinen Führungsstil und seine Herangehensweise an die Musikindustrie. Trotz der Herausforderungen, finanziellen Unsicherheiten und begrenzten Ressourcen baute er seine Karriere mit einer Vision und dem Versprechen auf, Künstlern die Entwicklungsmöglichkeiten zu bieten, die sie brauchen. Dies legte den Grundstein für sein heutiges Unternehmen: Bamboo Artists.

Bamboo Artists: Eine neue Art der Talententwicklung?

Bamboo Artists unterscheidet sich durch seine Herangehensweise an die Arbeit mit Künstler:innen und Ausbildung von Angestellten. Laut Leander steht der Wissenstransfer im Fokus. Ihm zufolge erhalten Leute, die nur ein Jahr bei Bamboo sind, Erfahrungen, die andernorts fünf Jahre benötigen würden. Dadurch seien die Mitarbeitenden gerade bei Major-Labels begehrt. Diese Philosophie baut auf Kirschners Erfahrungen bei Unternehmen wie Spotify, Amazon Music oder Spotify, wo Schnelligkeit und Innovation im Mittelpunkt stehen.

Von der Tech-Welt in die Musikindustrie

Leanders Übergang von der Tech-Welt in die Musikindustrie verlief über verschiedene Stationen bei Tech-Riesen wie Uber, Spotify und Amazon. Diese Positionen vermittelten ihm Fähigkeiten zur Problemlösung und analytisches Denken. Insbesondere die datengetriebene Entscheidungsfindung bei Uber und die innovative Denkweise von Spotify waren wegweisend. Bei Bamboo nutzt er diese Erfahrungen, um die Effizienz zu steigern und die Künstler:innen besser zu fördern, indem er ihnen Werkzeuge und Wissen zur Verfügung stellt, die in der traditionellen Musikindustrie oft fehlen.

Das Erfolgsgeheimnis hinter Bamboo Artists

Ein Schlüssel zum Erfolg von Bamboo Artists ist die Mischung aus Investition und Talentförderung. Kirschner investiert nicht nur in die Infrastruktur, sondern vor allem in Menschen – sein Team und die Artists. Diese Strategie zahlt sich bislang aus. Die starke Verbindlichkeit gegenüber den Künstler:innen zeigt sich auch in der Bereitschaft, Risiken einzugehen und in schwierigen Zeiten hinter ihnen zu stehen, was nachhaltige und langanhaltende Partnerschaften fördert. Das unterscheidet Bamboo - so Leander - von kurzfristig denkenden Labels. So gebe es keine Single-Deals, sondern eher langfristige Verträge über mehrere Alben. Trotzdem könnten unzufriedene Artists das Label verlassen und den Vertrag auflösen.

Innovative Vertriebsstrategien und Wachstum

Bamboo Artists verfolgt unkonventionelle Wege, um Musik und Künstler:innen zu vermarkten. Anstatt sich auf einzelne Hit-Tracks zu konzentrieren, zielt Bamboo auf den Aufbau langfristiger Karrieren ab. Diese Herangehensweise ermöglicht es nicht nur den Artists, in neuen Märkten Fuß zu fassen, sondern auch bestehende Marktplatzierungen durch gezielte Datenanalysen und Marketingstrategien zu maximieren. Es ist ein Balanceakt zwischen kurzfristigem Erfolg und langfristiger Nachhaltigkeit.

Fokus auf Innovation und Praktikabilität

In der sich schnell verändernden Landschaft der Musikindustrie hat Bamboo Artists einen starken Fokus auf Technologie und Innovation gelegt. Durch den Einsatz von Data-Tools und einem klaren Verständnis technologischer Trends kann Bamboo neue Möglichkeiten für Künstler:innen schaffen. Leander glaubt an die Kraft von neuen Ideen und kontinuierliche Lernbereitschaft.

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Einstellungskriterien Bamboo-Artists (Ausschreibungen auf linked.in oder Insta):

• Neugier und Lernbereitschaft

• Aneignung von Fertigkeiten

• Struktur und Organisationstalent

• Drang, Dinge nach vorne zu bringen (Bias for Action)

Möglicher Weg bei Bamboo

• Start als Prakti

• Assistenz-Stelle

• Verantwortung für ersten kleineren Artist

• entweder wächst Act mit oder Arbeit mit größerem Artist

Was Leander bei Uber gelernt hat:

• Auch in stressigen Situationen besonnen zu handeln

• Rational und analytisch über Dinge zu denken

• Sich sehr viele Zahlen ziehen

• Programmieren

Vielen Dank fürs Lesen und bis bald!

Tobias Wilinski

“Ich schaue sehr krass auf Daten: Wenn ich sehe, ich verkaufe keine Tickets in Bayern, dann gehe ich nicht mehr nach Bayern.”

Fabian Thomas (Manager Mo-Torres & Marketing-Experte)

Der Weg in die Musikindustrie

Fabian Thomas hat seine Karriere als Blogger begonnen. Indem er den Hip-Hop Blog 'J.D.'s Rap Blog' startete. Trotz anfänglicher Unsicherheiten und Kamera-Scheu ist es ihm gelungen sich in der Musikszene zu etablieren. Mit Interviews vernetzte er sich mit verschiedenen Akteuren der Szene, was ihm schließlich den Weg in die Industrie ebnete. Der Blog diente ihm als Plattform, um Kontakte zu knüpfen und Musik sowie Künstler auf eine neue Art zu präsentieren.

Vom Hip-Hop zum Pop: Die Entwicklung von Mo-Torres

Fabian begann seine Managementlaufbahn mit dem Künstler Mo-Torres aus Köln, der mittlerweile das Genre gewechselt hat: von Rap zu Pop. Mit zwei Alben sind sie bereits gut gechartet. Fabians Expertise hat auch geholfen, Mo-Torres von kleinen Konzerten hin zu ausverkauften Shows vor 4000 Menschen zu führen. Ein großer Teil dieses Erfolgs beruht auf geschicktem Marketing, das sowohl klassisches als auch modernes digitales Marketing umfasst. Das Mitfilmen von Live-Auftritten und strategische Album-Releases waren entscheidend, um eine wachsende Fanbase zu erreichen und die Reichweite ständig zu erhöhen.

Marketingstrategien in der Musik

Fabian teilt seine Einsichten in erfolgreiche Marketingstrategien, die von Album- und Ticket-Bundles bis zu kreativen Social Media-Kampagnen reichen. Ein zentraler Aspekt des Erfolgs war die Nutzung von Spotifys Discovery Mode und die Erstellung viraler TikTok-Videos. Zusätzlich legt Fabian großen Wert auf den persönlichen Kontakt mit der Fan-Community durch Liveshows, die essenziell für den Verkauf von Alben und Merchandise sind. Effizientes Playlisting und die richtige Ansprache von Zielgruppen via Social Media sind Schlüsselelemente für den anhaltenden Erfolg in der wandelnden Musiklandschaft.

Die Bedeutung von Konzertauftritten

Für Fabian und den Künstler Mo-Torres liegt der Fokus nicht nur auf digitalen Verkäufen, sondern auch stark auf Live-Auftritten. Diese haben sich als kraftvolles Instrument zur Stärkung der künstlerischen Reichweite und Bindung der Fangemeinde erwiesen. Trotz der Herausforderung durch die Pandemie mit abgesagten Konzerten nutzten sie innovative Konzepte wie Autokonzerte, um weiterhin in Kontakt mit ihren Fans zu bleiben und die Marke zu festigen.

Einfluss von TikTok und sozialen Medien

TikTok spielt eine entscheidende Rolle bei der Verbreitung von Songs und dem Erreichen neuer Zielgruppen. Für Mo-Torres bedeutete ein Snippet auf TikTok beispielsweise einen ordentlichen Sprung in der Popularität für den Track 'Tarzan und Jane'. Diese Plattformen bieten starke Wachstumsmöglichkeiten, insbesondere bei der jüngeren Zielgruppe und sind eine wertvolle Ergänzung zu traditionellen Vermarktungswegen.

Musikproduktionen und Veröffentlichungen

Bei der Planung und Umsetzung von Musikveröffentlichungen setzt Fabian auf umsichtige Marketingpläne und innovative Vertriebsstrategien. Ob durch physische Releases oder Streaming, jede Veröffentlichung wird sorgfältig geplant, um die größtmögliche Resonanz zu erzielen. Strategische Partnerschaften mit Vertrieben und cleveres Merchandising sind entscheidende Hebel, um sowohl Verkäufe zu maximieren als auch die Sichtbarkeit zu erhöhen. Dabei ist Fabians Erkenntnis, dass Qualitätsmusik stets im Vordergrund stehen sollte.

Die beiden Folgen sind schon ein paar Monate online, aber haben bis jetzt noch keinen Newsletter-Artikel bekommen. Und zum Glück sind die meisten ThemaTakt-Folgen zeitlos. Also viel Spaß beim Hören!

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Tobias Wilinski

“Der Bedarf an Musik in der Werbung wächst exponentiell!”

Julian Krohn (Director Music & Sound bei Scholz & Friends)

Die Kunst der Musik-Supervision in der Werbung

Musik und Werbung – zwei Welten, die Julian Krohn mit Leidenschaft verbindet. Als Experte der Branche hat er es sich zur Aufgabe gemacht, den perfekten Sound für Kampagnen zu finden. Musik ist für ihn das dritte Element neben Bild und Text. Mit dieser Vision hat er die Musikabteilung bei der Agentur Scholz & Friends gegründet und arbeitet seither daran, Musik als strategisches Werkzeug in der Markenkommunikation zu etablieren.

Deutsche Musik in der Werbung: Vom Randphänomen zum Erfolgsfaktor

Lange Zeit war deutsche Musik in Werbekampagnen eine Randerscheinung. Gerade HipHop hatte es schwer, sich gegen die gängigen internationalen Sounds durchzusetzen. Deutsche Texte galten als schwierig – zu dominant, zu wenig massentauglich. Mittlerweile ist das anders: Kampagnen wie beispielsweise die von Tipico mit Summer Cem haben gezeigt, dass authentische, raue Sounds mit Lokalkolorit funktionieren. Die Werbewelt hat erkannt: Sprache und Musik sind Träger von Identität.

Die Herausforderungen eines Musik-Supervisors

Einen Song für eine Kampagne zu lizensieren, ist oft anstrengend. Rechte liegen bei verschiedenen Parteien, Budgets sind begrenzt, kreative Vorstellungen kollidieren mit juristischen Realitäten. Doch genau in dieser Herausforderung liegt für Krohn der Reiz. Musik gibt Filmen eine emotionale Dimension, die über das Visuelle hinausgeht. Besonders spannend findet er es, deutsche Musikstücke zu integrieren – auch wenn es anfangs Widerstand gibt. Denn oft braucht es erst Mut und Geduld, um festgefahrene Hörgewohnheiten aufzubrechen.

Songwriting-Camps: Hier entsteht Markenmusik

Eine von Julian Krohns Lieblingsaufgaben: Songwriting-Camps. Hier kommen Musiker, Produzenten und Markenvertreter zusammen, um maßgeschneiderte Songs zu kreieren. Krohn schätzt diesen kollaborativen Prozess: Ideen werden gebündelt, kreative Energie entfesselt und Musik entsteht, die nicht nur ein Produkt untermalt, sondern im besten Fall mit einer Marke verschmilzt.

Musik als Identitätsstifter: Die Strategie von Scholz & Friends

Bei Scholz & Friends wird Musik nicht als Beiwerk, sondern als essenzielles Element der Markenstrategie betrachtet. Krohn betont, dass die richtige Soundwahl eine Marke unverwechselbar macht. Dabei geht es um mehr als nur Geschmack: Die Balance zwischen künstlerischer Vision und Marken-DNA ist entscheidend. Mit einer durchdachten Musikstrategie entstehen Kampagnen, die nicht nur hörbar, sondern erlebbar sind.

Erfolgreiche Musik-Kollaborationen: Das Beispiel Vodafone

Ein Blick auf Vodafones Musikkampagnen zeigt, wie strategische Soundentscheidungen Marken prägen können. Mit Songs von Künstlern wie Aurora oder Alice Merton hat sich Vodafone gezielt in der Musikwelt positioniert. Das Prinzip dahinter: Musik schafft Wiedererkennungswert, Markenbindung und emotionale Resonanz. Wenn der richtige Track zur richtigen Zeit auf das richtige Publikum trifft, entsteht ein Win-Win für Marke und Musiker gleichermaßen.

Zukunftsmusik: Wie sich Werbung und Sound weiterentwickeln

Die Musiklandschaft in der Werbung bleibt im Wandel. Plattformen wie TikTok zeigen, wie schnell Trends entstehen – und wie wichtig es ist, am Puls der Zeit zu bleiben. Die Zukunft gehört experimentellen Sounds, Nischengenres und einer noch stärkeren Interaktion zwischen Marken und Konsumenten. Krohn sieht darin enormes Potenzial: Wer kreativ bleibt und Musik gezielt einsetzt, kann starke, nachhaltige Verbindungen schaffen.

Mehr Diversität in der Musikindustrie

Wichtiges Thema in der Musikbranche: Gender-Diversity. Noch immer sind weibliche Produzent:innen unterrepräsentiert. Krohn betont, dass Vielfalt nicht nur eine soziale Verantwortung ist – sie bringt auch Innovation. Je diverser die Stimmen, desto spannender und inklusiver wird die Musiklandschaft. Und genau das braucht auch die Werbung: neue Perspektiven, neue Sounds, neue Geschichten.

Die beiden Folgen sind schon ein paar Monate online, aber hat bis jetzt noch keinen Newsletter-Artikel bekommen. Und zum Glück sind die meisten ThemaTakt-Folgen zeitlos. Julian Krohn hat übrigens auch einen eigenen Podcast: Showdown - der Feierkultur Podcast zusammen mit Leonie Gerner. Hier findet ihr vor allem Interviews aus dem elektronischen Bereich.

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“Die größte Gefahr sehe ich darin, dass große Labels Verhandlungen führen, die Künstler noch mehr in den Ruin treiben.”

Matthias Strobel (Music Tech Germany)

Die Musikindustrie vor neuen Herausforderungen

Mit den Möglichkeiten, die Technologien wie Künstliche Intelligenz bieten, sieht Matthias Strobel die Musikindustrie neuen Herausforderungen. Besonders die großen Labels könnten bei Verhandlungen mit Technologieanbietern von neuen Machtstrukturen profitieren, während Künstler zunehmend Gefahr laufen, in den Hintergrund gedrängt zu werden. Strobel spricht sich für eine Umgestaltung der Urheberrechts- und Lizenzierungsmodelle aus. Um Künstler:innen zu schützen und ihre Kreativität zu fördern. Die Branche hat zudem die Herausforderung, sich rasch an Veränderungen anzupassen, um relevant zu bleiben und weiterhin wirtschaftlich erfolgreich zu sein. Um dies zu erreichen, sind Offenheit und Dialog mit kleinen, innovativen Startups sowie die Bereitschaft zur Adaption neuer Geschäftsmodelle nötig.

Künstliche Intelligenz als Chance in der Musikproduktion

Mit Matthias Strobel sprech ich über Musiktrends, Musik-Startups mit Potenzial und er hat auch ein paar Tool-Tipps, die ihr für die Produktion von Musik nutzen könnt. Die Verbindung von Musik und Technologie hat in den letzten Jahren einen revolutionären Wandel erfahren. Doch wie tiefgreifend sind diese Veränderungen wirklich? Im Interview erklärt Matthias warum Hologramm-Konzerte bald Realität sein könnten und wie Künstliche Intelligenz das Musizieren für alle zugänglicher machen könnte.

Hologramm-Konzerte werden zur Normalität

Matthias Strobel prognostiziert, dass Hologramm-Technologie schon bald die Art und Weise, wie wir Konzerte erleben, grundlegend verändern wird. Anstatt zu einem traditionellen Live-Auftritt zu gehen, könnten Fans in naher Zukunft Hologramme ihrer Lieblingskünstler erleben, die an mehreren Orten gleichzeitig „auftreten“. Diese Innovation könnte nicht nur die Reisekosten und den ökologischen Fußabdruck von Tourneen reduzieren, sondern auch die Reichweite einer Tournee erheblich vergrößern. Strobel sieht dies als Teil einer nachhaltigen Entwicklung in der Musikindustrie, die es ermöglichen könnte, Künstler weltweit zu präsentieren, ohne die physischen Barrieren, denen Live-Auftritte derzeit unterliegen. Dadurch könnten kulturelle und künstlerische Erfahrungen auf völlig neue Art und Weise geteilt werden.

Die Skepsis gegenüber Blockchain und NFTs

Trotz des Hypes um Technologien wie Blockchain und NFTs ist Matthias Strobel äußerst kritisch. Er argumentiert, dass viele Versprechungen dieser Technologien nur heiße Luft seien und es bislang kein skalierbares Produkt gebe, das einen echten Nutzen in der Musikindustrie habe. Blockchain wird häufig als revolutionär für die Musikbranche angekündigt, jedoch sieht Strobel darin vor allem einen Ausdruck von Hyperkapitalismus ohne echten Mehrwert.

Inklusive Musik-Möglichkeiten durch KI

Die Integration von Künstlicher Intelligenz in die Musikszene birgt die Chance, Barrieren für Menschen abzubauen, die aus unterschiedlichen Gründen bisher Schwierigkeiten hatten, sich kreativ auszudrücken. Matthias Strobel hebt hervor, dass KI-gestützte Tools es Menschen ermöglichen können, Musik zu schaffen, ohne tiefes technisches oder theoretisches Wissen zu besitzen. Diese Entwicklung kann besonders für Menschen mit Behinderung oder eingeschränkten Ressourcen bahnbrechend sein, indem sie Zugang zu kreativen Plattformen und Instrumenten erhalten. Die Technologie könnte Musikinstrumente aller Art in greifbare Nähe bringen, die bisher schwer zugänglich waren. Diese Demokratisierung der Musikproduktion stellt für ihn einen gewaltigen Schritt hin zu mehr Inklusion und Diversität in der kreativen Gemeinschaft dar.

Warum ihr auf (Musik)-Konferenzen gehen solltet:

Ich habe mit Matthias Strobel auf der New Visions-Konferenz gesprochen. Die zweitägige Musik-Konferenz hat er zusammen mit Philipp Grefer von Wise organisiert und dabei viele internationale Speaker nach Berlin geholt. Falls ihr noch nie auf einer Konferenz wart und mit dem Begriff gar nichts anfangen könnt: Bei einer Konferenz gibt es meist Diskussionsrunden der Vorträge auf einer Bühne. Wenn ihr daran teilnehmt, könnt ihr euch das angucken, Fragen stellen und neues Wissen drauf schaffen. Was für viele von euch vielleicht spannender ist: Ihr könnt euch mit ganz vielen Leuten vernetzen, die im Publikum sitzen oder deren Vortrag ihr gerade gehört habt. Ich kann euch also nur empfehlen, geht zu Konferenzen. Gerade, wenn sie nicht so teuer sind. Für Artists bieten diese Konferenzen häufig auch noch Unterstützungsmöglichkeiten an. Manche Musikkonferenzen wie das Reeperbahn Festival oder die C/O-Pop in Köln bieten neben dem Konferenz-Teil auch noch Konzerte.

Die Folge ist schon ein paar Monate online, aber hat bis jetzt noch keinen Newsletter-Artikel bekommen. Und zum Glück sind die meisten ThemaTakt-Folgen zeitlos.

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Tobias Wilinski

“Ein paar der Platten, die mein Leben wirklich verändert und bereichert haben, waren Platten, die ich am Anfang nicht gut fand. Sondern, die ich erstmal verstehen musste, verdauen musste, mehrfach hören musste bis ich an den Punkt gekommen bin, dass sie diese Wirkung entfalten konnten.”

Stephan Kunze (Musikjournalist)

Welchen Wert hat Musik heutzutage? Jeden Tag erscheinen neue Songs - hört man sich davon welche an, entdeckt lieber alte musikalische Meilensteine oder hört doch lieber seine Lieblingssongs? Diese Fragen werden die meisten von uns immer wieder beschäftigen und manchmal auch so stressen, dass wir uns hin und wieder dafür entscheiden, lieber gar keine Musik zu hören. Mit Stephan Kunze habe ich einen großen Musik-Entdecker und -Liebhaber interviewt. Das Gespräch hat mich zum Nachdenken gebracht - euch bestimmt auch.

Sein Weg zum Juice-Chefredakteur - Stephan Kunze (Zensounds-Newsletter) im Interview

Stephan Kunze war von 2007-2013 Chefredakteur vom Juice Magazin (damals noch Stephan Szillus), das HipHop in Deutschland zum Teil stark geprägt hat. Wir sprechen darüber wie Nirvanas Album "Nevermind" Stephans Leben verändert hat. Wie er angefangen hat für sehr viele Musikmagazine zu schreiben und welche absurden Interviewsituationen er zum Beispiel mit Nas und Common erlebt hat. Und natürlich sprechen wir über seine Zeit als Juice-Chefredakteur. Haben ihn bei Rezensionen persönliche Bekanntschaften beeinflusst? Konnte man sich das Juice-Cover kaufen? In der nächsten Folge und somit Teil 2 des Interviews spreche ich mit Stephan über seine Zeit nach der Juice. Da hat er erst 3 Jahre im Künstlermanagement gearbeitet, dann für mehr als 5 Jahre bei Spotify. Mittlerweile ist er freier Autor, Berater für die Universal Music Group, hat ein Buch Namens "Zen Style" rausgebracht und veröffentlicht seit fast 2 Jahren den Musik- und Kultur-Newsletter "zensounds".

Vom Spotify-Redakteur zum eigenen Newsletter | Stephan Kunze im Interview (2/2)

Im ersten Teil des Interviews mit Stephan Kunze habt ihr schon gehört, wie er sich in Musik verliebt hat. Wie er sich gegen die Karriere als Anwalt und für die Karriere als Musikjournalist entschieden hat. Jetzt erfahrt ihr, warum er nach knapp sechs Jahren als Juice-Chefredakteur aufgehört hat. Es geht um Stephans Zeit als Artistmanager, in der er mit Gerard, Weekend, Pimf und Megaloh zusammengearbeitet hat und wie er dann zum Redakteur bei Spotify wurde. Wir sprechen außerdem über die Entwicklung der Musikindustrie und die Zahlengetriebenheit, wie Stephan Musik hört und was er neben seinem Kultur- und Musik-Newsletter zensounds eigentlich noch macht.

Stephans Kritik an Daten-Besessenheit in der Musikindustrie

Stephan hat bei Spotify u. a. Playlisten kuratiert und dabei auch viel auf Daten geschaut (bspw. wie oft ein bestimmter Song geskippt wurde). Mittlerweile sieht er die Datengetriebenheit als Gefahr für die Musikbranche. Ein kurzer Auszug aus dem Interview:

Tobias Wilinski: In deinem englischsprachigen Newsletter zensounds beschreibst du deine Kritik an Daten. Übersetzt schreibst du “Unsere Zahlen Besessenheit hat schon Musik Journalismus gekillt, jetzt killt sie langsam die Musik selbst.” Wie meinst du das?

Stephan Kunze: Ich bin nach meiner Erfahrung, die ich auch beim kuratiert von Playlisten gemacht habe, mittlerweile der Meinung, dass wir zu viel auf Daten schauen. Früher hat man gar nicht auf Daten geschaut. Alles ging in der Musikindustrie eigentlich nur nach Bauchgefühl und Geschmack. Aber die Streaming-Ära hat eben eine Daten-Besessenheit hervorgebracht, wo alle - also nicht nur die Künstler:innen, sondern auch die gesamte Industrie und auch die Hörer:innen - plötzlich ganz viel über Zahlen sprechen und über Daten. Ich finde, das macht ganz viel kaputt. Musik ist für mich etwas Magisches, Mystisches, Irrationales. Und Daten sind eben das Gegenteil davon und wenn ich alles versuche, in Daten zu fassen und zu berechnen, dann nehme ich dem, was für mich so magisch ist, diese mystische Ebene. [Die komplette Antwort hört ihr bei ThemaTakt ab Minute 31.]

Hier geht es zum angesprochenen Artikel:

zensounds with Stephan Kunze

Stop Fetishizing Data

When Nirvana released “Smells Like Teen Spirit” in 1991, no data would have been able to predict its massive success…

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2 years ago · 61 likes · 36 comments · Stephan Kunze

hier könnt (und solltet) ihr Stephans Newsletter abonnieren:

zensounds with Stephan Kunze

newsletter for experimental music and culture

Learnings aus dem Gespräch mit Stephan Kunze:

Stephan ist ohne Frage einer der größten Musikliebhaber, die bislang bei ThemaTakt zu Gast waren. Ein paar Learnings aus der Folge:

• Support your Local Artist (statt zum größten Popstar für mehrere hundert 100 Euro, vielleicht lieber mehrere kleinere Konzerte aus der Region - oder beides, wenn du die Kohle hast)

• gib Musik, die du nicht sofort magst eine Chance

• versuch, dich von Zahlen zu lösen (nur, weil ein Song oft gehört wurde, ist er nicht mehr wert als ein Song mit 2 Plays)

• Nimm dir Zeit für Musik, skippe nicht alles durch, sondern lass Musik wirken.

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Tobias Wilinski

“Es ist wichtig, dass HipHop nicht ein musikalisches Etwas ist, was du mit jedem Popsong austauschen könntest. Wo ist denn dann noch der Unterschied zu Helene Fischer?”

Toni-L im ThemaTakt-Podcast

Was ist HipHop heute noch? Wofür steht er? Gibt es eine HipHop-Szene? Gibt es viele? Das sind alles Fragen, die seit Jahren gestellt werden und sich nicht leicht beantworten lassen. HipHop hat sich entwickelt und verändert - insbesondere die Disziplin Rap-Musik - und nicht allen gefällt die Entwicklung. Sei es aus nostalgischen Gründen, aus der Liebe zur Nische oder der Abneigung zur Kommerzialisierung. Von Toni-L und Martin Stieber wollte ich deswegen eine Zeitreise machen: Wie haben sie überhaupt zu HipHop gefunden, wann haben sie das erste Mal zum Mikrophon gegriffen und wie ihre Musik verkauft? Und haben sie die Liebe zu HipHop über die ganzen Jahre behalten?

Neue Folge mit Toni-L & Martin Stieber

Toni-L und Martin Stieber sind Pioniere des deutschen HipHop und seit über 30 Jahren am Start. Wir sprechen darüber, wie sie das erste Mal gerappt haben und darüber wie sie schon damals ihre Musik per Crowdfunding rausgebracht haben. Die Entstehung von „Fremd im eigenen Land“ von Advanced Chemistry. Es geht um den Einfluss von Torch, warum das Stieber Twins-Album „Fenster zum Hof“ drei Jahre gebraucht hat, um rauszukommen und warum es immer noch nicht auf Spotify ist. Außerdem erzählen Martin und Toni womit sie neben Live-Auftritten Geld verdienen. Ist ja schließlich ein Musikbusiness-Podcast. Damit der weiter erscheint, unterstützt per paypal.me/thematakt oder thematakt.de/spenden. Lasst bitte auch eine Sterne-Bewertung bei Apple oder Spotify. Das Interview haben wir im Rahmen einer ARD-Doku-Serie geführt. Die heißt HipHop - Made in Germany. In der ersten Folge moderieren Martin und Toni Landomini und führen uns durch ihre Heimat Heidelberg. Findet ihr in der ARD Mediathek.

ThemaTakt - überall wo’s Podcasts gibt!

Anna Groß - Interview Teil 2

Im zweiten Teil des Interviews mit Anna Groß geht es um Label-Arbeit, Annas Weg zu Springstoff, ihre Magisterarbeit über Missy Elliot und die Arbeit als Managerin von Rapperin Sookee. (Sookee war übrigens auch schon bei ThemaTakt, den Link gibt's weiter unten). Weil ich Papa geworden bin und jetzt weniger Zeit für ThemaTakt hatte, habe ich sehr lange gebraucht, um diese Folge hier zu veröffentlichen. Das Interview haben wir schon im Oktober 2023 aufgenommen. Da hat Anna noch für die MaLisa-Stiftung gearbeitet. Das tut sie jetzt nicht mehr, deswegen könnt ihr sie jetzt gerade entspannter für Workshops buchen oder wie auch immer mit ihr zusammenarbeiten. Damit ich weiterhin an ThemaTakt arbeiten kann, lasst eine Spende bei https://www.paypal.me/thematakt und eine Sterne-Bewertung auf Spotify und bei Apple Podcasts. Viel Spaß beim zweiten Teil des Interviews.

Jobs - offene Stellen

Ihr wollt euch auf freie Stellen im Musikbusiness bewerben, dann findet ihr hier offene Stellen bei Major-Labels, Indie-Labels, Vertrieben etc.:

Sony Music Group (Alle Jobs)

• (Junior) Label & Project Manager (m/w/d)

• Praktikant:in (m/w/d) Fan Engagement & CRM Data Driven Marketing im BOLD COLLECTIVE

• Head of Label & Project Management (m/w/d)

Warner Music Group (Alle Jobs)

• Label Manager:in ADA (m/w/d) HipHop/Deutschrap

• (Senior) Manager:in A&R (m/w/d)

Universal Music Group (Alle Jobs)

• (Senior) Manager A&R (all genders)

• Head of A&R (all genders)

Believe (Alle Jobs)

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Tobias Wilinski

“Es ist wichtig, sich auf Augenhöhe zu begegnen und Jugendliche nicht als „die sind jünger als ich und wissen weniger als ich“ wahrzunehmen, sondern als Expert:innen ihres jeweiligen Lebens.”

Anna Groß (Leitet HipHop-Workshops und das Label Springstoff)

Sich auf Augenhöhe zu begegnen, scheint gar nicht so leicht. Umso älter man wird, entwickelt man doch schnell eine natürliche Arroganz von wegen: “guck mal, was ich schon erreicht habe, davon bist du Teenie noch ganz weit entfernt.“ Dabei sind es doch die jungen Leute, die die Welt in den letzten Jahren sehr geprägt haben und logischerweise unsere Zukunft sind (die US Präsidentschaftswahl klammern wir jetzt mal aus). Insgesamt kann unsere Welt mehr Kommunikation auf Augenhöhe und Empathie sehr gut gebrauchen. Wie HipHop und politische Bildung zusammen gehen, erfahrt ihr in der aktuellen Folge mit Anna Groß.

Neue Folge: Anna Groß (Labelbetreiberin Springstoff, HipHop-Workshops, Coach, Autorin)

Anna Groß liebt HipHop und sie brennt für politische Bildung. Beides vereint sie, indem sie beispielsweise Workshops mit Jugendlichen macht, ihnen hilft, erste Rap-Songs aufzunehmen und sich darin auszudrücken. Damit das mehr Leute machen können, hat sie zusammen mit Marie Jäger ein Buch herausgegeben. Es heißt: „It's more than just Rap - HipHop in der Jugendarbeit“. Im Interview geht es um Annas Erfahrungen in der Jugendarbeit und welchen Einfluss HipHop auf Jugendliche hat. Außerdem reden wir über Diversität und Feminismus in der Musikbranche ein weiteres Thema, dass Anna sehr am Herzen liegt. Das überrascht nicht, wenn man weiß, dass Anna als Managerin von Rapperin Sookee in die Musikindustrie gestartet ist. Schon 2010 hat Anna die Geschäftsführung vom Label Springstoff übernommen. Springstoff ist neben Label auch noch Verlag, Booking- und Eventagentur. Wie Anna überhaupt in der Label-Arbeit gelandet ist, erfahrt ihr in der nächsten ThemaTakt-Folge. Dieses Interview haben wir im Oktober 2023 aufgenommen. Zu dem Zeitpunkt war Anna noch für die MaLisa Stiftung tätig. Das ist sie jetzt ganz frisch, nicht mehr. Das heißt, ihr könnt sie jetzt entspannter für Workshops buchen oder wie auch immer mit ihr zusammenarbeiten. Folgt ThemaTakt, um die zweite Folge auf jeden Fall zu hören, lasst bitte eine Sterne-Bewertung auf Spotify und bei Apple Podcasts und unterstützt die Arbeit unter https://www.thematakt.de/spenden/ oder https://www.paypal.me/thematakt.

ThemaTakt - überall wo’s Podcasts gibt!

"Die Motivation sollte niemals Kohle sein" Selcuk Erdogan im Interview (2/2)

“Es gib ja einen Grund, warum du etwas machst. Die Motivation sollte aber niemals Kohle sein. Die ist sowieso schneller weg, als du ‘Finanzamt’ sagen kannst.”

Selcuk Erdogan (Label-Manager The Orchard)

Dass Selcuk Erdogan als ausgebildeter Verwaltungsfachangestellter ein wahrer Bürokratie-Experte ist habt ihr schon in der ersten Folge des Interviews gelernt. In der ging es um seinen Start in die Musikindustrie bei Word Cup und Tape.tv. In dieser Folge geht's um seine Zeit bei Vevo, Recordjet, The Orchard und darum, wie er die aktuellen Entwicklungen im Musik-Business bewertet. Es geht um den Umgang mit emotionalen Tiefen und wie wichtig Entschleunigung ist - gerade für junge, zahlengetriebene Artists. Insgesamt ein sehr sehr angenehmes und spannendes Gespräch, das euch bestimmt gefallen wird. Außerdem, wenn ihr es noch nicht gemacht habt, gebt ThemaTakt eine Sterne-Bewertung bei Apple Podcasts und Spotify, das hilft dem Podcast besser zu charten.

Jobs - offene Stellen

Ihr wollt euch auf freie Stellen im Musikbusiness bewerben, dann findet ihr hier offene Stellen bei Major-Labels, Indie-Labels, Vertrieben etc.:

Sony Music Group (Alle Jobs)

• (Senior) A&R (m/w/d) Four Music

Warner Music Group (Alle Jobs)

• Label Manager:in ADA (m/w/d) HipHop/Deutschrap

• (Senior) Manager:in A&R (m/w/d)

Universal Music Group (Alle Jobs)

• Assistant to General Manager (all genders) Chapter ONE – Universal Music GmbH

• Head of A&R (all genders)

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Kommende Woche erscheint Teil 2 des Interviews mit Anna Groß. In dem geht es um Annas Weg in die Kulturszene, ihre Magisterarbeit über Missy Elliot und die Arbeit als Managerin von Sookee. Bis dahin - sonnige Grüße aus Berlin!

Tobias Wilinski

Selcuk Erdogan (Senior Label Manager bei The Orchard)

Dieses Zitat fühlen vermutlich viele von euch. Mittlerweile habe ich ja schon einige Interviews geführt und selten verlief eine Biografie gradlinig. Die meisten meiner Interviewpartner:innen sind ihrer Passion und Kreativität gefolgt und hatten das Ziel “irgendwas mit Musik” zu machen. Das gilt zumindest für mich. Nach meinem Wirtschafts-Abi waren die Optionen: BWL studieren oder eine Ausbildung zum Bankkaufmann zu machen (crazy, wa?) Zum Glück habe ich erstmal ein Jahr in Frankreich verbracht und meinen Zivi dort gemacht. Erst in diesem Jahr habe ich mich ernsthaft für den Weg in die Musik-Industrie interessiert (Tontechnik) und habe angefangen an langweiligen Abenden (im 2.000-Einwohner-Dorf) das RapGenius-Leaderboard zur erklimmen. Das wiederum die Aufmerksamkeit von einem der Gründer der Seite auf sich zog: Mahbod “Maboo” Moghadam. Der mich kurzerhand zum Chef von (Rap-)Genius Deutschland ernannte. Gestern habe ich erfahren, dass Mahbod an den Folgen eines Hirntumors im Alter von 41 Jahren gestorben ist. Mahbod war oft kontrovers und ich meinte zu ihm Mal, dass es keine Person gibt, die ich so wenig greifen kann wie er. Viele seiner Aktionen oder Äußerungen habe ich einfach nicht verstanden. Aber ich habe ihn auch als offenen, interessierten und verletzlichen Menschen erlebt, der mit seinem Enthusiasmus eine riesige Community aufbauen und mitreißen konnte - und am Ende meinen Lebensweg so sehr geprägt hat, wie kaum ein anderer Mensch. Denn ich hatte nie das Ziel Genius Deutschland zu leiten, aber es war eine ganz großartige Zeit von der ich jetzt noch zehre und ohne die ich wahrscheinlich diesen Podcast nicht aufnehmen und diesen Newsletter nicht schreiben würde. Danke, Mahbod. Rest in peace!

Neue Folge: Selcuk Erdogan (tape.tv, Vevo, Recordjet, The Orchard)

Selcuk Erdogan ist seit dreieinhalb Jahren Senior Label Manager bei The Orchard. Das ist ein Vertrieb, der zur Sony Music Group gehört. Aber Selcuk ist schon seit über 20 Jahren in der Musikindustrie unterwegs und deswegen ist er schon lange auf der Interviews-To-Do-Liste. Selcuk hat selbst jede Menge Interviews geführt (Sido, Savas, Missy Elliot, Snoop Dogg…) In dieser Folge erfahrt ihr, warum das Interview mit Dizzee Rascal für Selcuk unvergesslich bleibt. Außerdem geht’s um Selcuks Weg über Wordcup, zur damaligen YouTube-Konkurrenz tape.tv und wie er Manager von Zugezogen Maskulin wurde. Falls ihr ThemaTakt noch keine Sterne-Bewertung bei Spotify und Apple Podcasts hinterlassen habt, dann macht das jetzt. 🫶

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Lostboi Lino - mehr als 1 Million monatliche Spotify-Hörer

Woran ich mich immer halte: Ich mach Musik, die mir gefällt. Und wenn sie noch jemandem gefällt, umso besser.

Lostboi Lino im ThemaTakt-Interview

Lostboi Lino hat 2020 seinen ersten Song veröffentlicht. Ein Jahr später hat er sein erstes Album rausgebracht: „Lost Tape“. Jeder Song auf dem Album hat mittlerweile mindestens 400.000 Spotify-Streams - das Lied „Taxi aus Berlin“ wurde sogar über 19 Millionen mal gestreamt. Oftmals ist es so, dass wenn heutzutage ein Album rauskommt, das Interesse daran nach ein paar Wochen abnimmt. Aber: Im Interview verrät Lostboi Lino, dass seine Songs mit der Zeit immer häufiger gehört wurden. Woher kommt das? Wir reden auch darüber, ob er durch sein erfolgreiches erstes Album Druck für sein zweites Album verspürt hat. Das heißt „Phase“ und kam im Juli 23 raus. Warum ich Lostboi Lino gerne interviewen wollte, hat mehrere Gründe. Stand heute hat er 1,2 Millionen monatliche Hörer:innen auf Spotify, aber nur knapp 16.000 Instagram-Follower:innen. Die Frage, die sich viele stellen: Wie schaffe ich es, dass meine Musik gehört wird - ohne dass ich eine riesige Reichweite habe? Was ich außerdem spannend finde: Lostboi Lino - den ich vor Jahren kennengelernt hab, als ich selbst noch in Stuttgart gewohnt habe - hat viele Jahre in der Musikindustrie gearbeitet, Veranstaltungen organisiert, gefilmt, fotografiert - wie ist sein Weg zum Künstler genau verlaufen - und was hat er durch seine Jobs davor gelernt? Hört ihr alles in dieser Folge.

Update aus der Elternzeit

Ich bin jetzt Papa.

Ich

Warum ihr so lange wie noch nie auf neue ThemaTakt-Folgen gewartet habt, erfahrt ihr in dieser Folge - Spoiler: Weil ich Papa geworden bin und das ist ein ziemlich fordernder Job. Apropos Jobs….

Jobs - offene Stellen

Ihr wollt euch auf freie Stellen im Musikbusiness bewerben, dann findet ihr hier offene Stellen bei Major-Labels, Indie-Labels, Vertrieben etc.:

Sony Music Group (Alle Jobs)

• A&R Manager (m/w/d) RCA & GOLD LEAGUE

• Project Manager (m/w/d) Global Technology

Warner Music Group (Alle Jobs)

• Manager Repertoire Development Catalogue

• Content Marketing Manager:in Pop (m/w/d)

• Manager:in Streaming (m/w/d)

• Junior Coordinator:in Radio (m/w/d)

Universal Music Group (Alle Jobs)

• Project Manager (all genders) Vertigo/Capitol – Universal Music GmbH

• (Senior) Label Project Manager (all genders) Domestic Label / Chapter ONE - Universal Music GmbH

• Project Manager (all genders) Domestic Label / Urban – Universal Music GmbH

• Manager Digital Concepts (all genders) Ventura & Chapter ONE / Marketing Labs – Universal Music GmbH

Believe (Alle Jobs)

• A&R-Manager

• Digital Marketing Manager MADIZIN MUSIC (m/w/d) 

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Tobias Wilinski